28/100 Charles Mingus 1963 Black Saint And The Sinner Lady

Un monstruo absoluto del jazz, así es ‘Black Saint And The Sinner Lady’ bellamente diseñado por el compositor / bajista Charles Mingus

Mientras lo complementa con los cambios de humor monumentales que experimenta a partir de una gran impotencia desesperada y urgente que tiene sobre su vida, surge una belleza de obra.

Mingus aquí lo externa como su mágnum opus, y en el cual implica la inclusión de las  notas de su psicólogo que lo atendía, producto de una neurosis obsesivo-compulsiva (la modernidad lo llamaría bipolar), mientras el lo asume como un examen de su propia psique torturada, es una obra conceptual sobre el amor, la lucha y los demonios que atormentan su alma . No hace falta ser capaz de seguir la línea de la historia para conocer el sufrimiento, el luto, la frustración y la furia enjaulada saliendo de la música.

Es difícil describir lo importante que es el álbum, pero definitivamente vale la pena escuchar, incluso para los no aficionados al Jazz.

El álbum es a menudo considerado como uno de los mejores de todos los tiempos. Considerado por algunos, mejor que el 'Mingus Ah Um'; un disco que destaca por su versatilidad y belleza; aunado a un Mingus en la plenitud de su carrera; el nombre del álbum deriva de una exclamación que hizo Jerome Richardson acerca de la blusa que portaba la esposa de Mingus...

"Es un pecado vestir una blusa tan horrible"

29/100 Ella Fitzgerald & Louis Armstrong 1956 Ella & Louis

Que argumentos puede uno esgrimir ante la única que merece ser llamada 'La Diva', ‘La primer Dama de la Canción’ Ella Fitzgerald, acompañada del ícono por excelencia del Jazz Louis 'Satchmo' Armstrong en un dueto de antología que merece que uno se ponga de pie y aplauda ante tan genial ejecución de voz, sonido y sentimiento que sin duda alguna hacen de este álbum un clásico que causa estremecimiento al escucharlo.

Estoy seguro de que hay pocos duetos de cualquier género musical, con independencia de los artistas, que difícilmente puedan igualar la química-mágia que estos dos artistas exhiben en estas pistas maravillosas.

Podría estar equivocado, pero creo que gran parte del encanto de este álbum se debe a la musicalidad total de Louis Armstrong, una personalidad gigante que probablemente podría hacer un dueto con nadie y al mismo tiempo sólo con Ella.

No hay escasez de adjetivos para describir esta extraña pareja y es que el contraste único entre sus estilos vocales aludido con su talento y la manera que interactúan y  comparten sus virtudes lo que les ayudan a crear lo que sólo puede ser visto como encantamiento puro.

‘They Can´t Take That Away From Me’ es de una tesitura cachondísima, pero ‘Tenderly’ es multiorgásmica!!!!

30/100 Weather Report 1977 Heavy Weather

Weather Report fue una banda de jazz fusión influyente de los años 1970 y 1980. Junto con Return to Forever, Mahavishnu Orchestra y los Headhunters de Herbie Hancock, son la más clara representación del Jazz Fusión en la década de 1970. Este banda tenía un poder perdurable, ya que estuvieron activos durante más de quince años.

La banda fue originalmente un spin-off del grupo de los músicos asociados con Miles Davis en los años sesenta y principios de los setenta. El núcleo estable del grupo fue el dúo del pianista / líder Joe Zawinul y el saxofonista Wayne Shorter, mientras que los otros músicos fueron rotados con casi todos los discos.

Inicialmente, la música de la banda contó con la ReedMan Wayne Shorter promovido en su trabajo pionero en saxo soprano y ambos Zawinul y Miroslav Vitous el bajista original, experimentaron con los efectos electrónicos de los guitarristas de rock, Zawinul en piano eléctrico y órgano, Vitous en contrabajo, y a menudo se inclinó, como una segunda voz.

Entre los notables músicos que pasan a través de filas Weather Report fue la el extraordinario bajista Jaco Pastorius, quien se unió en 1976. Pastorius estuvo presente de una manera formidable en 1977 "Heavy Weather" y "Mr. Gone "

El grupo fue inusual e innovador en el abandono de la actuación solista de sus integrantes, y en su lugar la improvisación continúa de todos los miembros de la banda. También fueron pioneros con sus incursiones en lo que ahora se llama World Music.

El álbum característico y de mayor calidad donde el Jazz Fusión entreteje una serie de eventos y características sin iguales, quién más pudo ser parte de este excepcional álbum?

Por supuesto que el maestro Jaco Pastorius.

31/100 John Coltrane 1960 My Favorite Things

Genialidad en su más alta expresión, explosión auditiva  muy por encima de nuestros sentidos y nuestra comprensión; John Coltrane y su genial ‘My Favorite Things’

Cualquier tipo de sentimiento que se pueda tener al escucharlo converge en éste diamante musical que se encargaron en pulir delicadamente ‘Trane’, Tyner , Jones y Davis. Con matices románticos-melódicos-jazzísticos  que rayan en la grandilocuencia y de la cual no puedes dejar pasar ninguna de las métricas que imprime en cada una de las pistas,

‘Trane’ se acerca más hacia lo sagrado, al misticismo  algunos dicen que su adicción a la heroína lo hacía experimentar sensaciones que sólo a través de su saxofón podía externar y uno lo sigue.

My favorite Things fue el primer disco que escuché de Coltrane y desde ahí me volví un adepto y adicto a su música, es un vals? Es una genialidad. 

La obra de Cole Porter ‘Every Time We Say Goodbye’ y ese piano de Tyner que subyuga, que enamora…

(Hay que ver que algunos piensan enamorar poniendo ‘Bed Of Roses’ de Bon Jovi!!! No la jodas cabrón!!!!)

Para aquellos que buscan una entrada directa a las obras del gran hombre este es un principio ideal, y por supuesto, magnífico.

"He encontrado que tienes que mirar hacia atrás en las cosas viejas y verlas bajo una nueva luz."

- John Coltrane

32/100 Dexter Gordon 1962 GO

Grande entre los grandes, uno de los mejores saxofonistas que pueden haber existido en la historia, destaca en su currículum haber tocado al lado de Nat King Cole, Lee Young y la ‘Louis Armstrong Big Band’; estamos ante el momento más grande de la carrera de Dexter Gordon, GO.

Antes de partir a su auto exilio a Europa el cual se prolongó por quince años, muestra un  aplomo, de auténtico maestro en el  saxo; en sí lleva consigo una especie de gracia que es difícil de emular. Él es siempre rápido con una sonoridad divertida, sin embargo, siempre parece encajar a la perfección, no hay equivocaciones.

Posee un tono de enorme calidad, sin embargo, nunca sobrepasa las canciones o el oyente, ambos van juntos. Él suena sin prisas a cualquier velocidad. Su selección de la canción suele ser creativa, manteniendo cautivos y a la expectativa de lo que sigue. Acompañado de una banda estelar de la talla y  elegancia del pianista Sonny Clark, más Butch Warren en el bajo y Billy Higgins en la batería.

Por favor!!! Tampoco hace daño escuchar tanto talento al mismo tiempo.

Como nota curiosa hay que decir que Dexter Gordon, era amigo de Torben Ulrich (quien dirigía un pequeño club de jazz en Copenhague, Dinamarca), ante lo cual y debido a la amistad se convirtió en el padrino de Lars Ulrich de Metallica...

33/100 Herbie Hancock 1973 Head Hunters

Tal vez el momento decisivo del movimiento Jazz Fusión (o quizás incluso la punta de lanza del estilo Jazz Funk; algunos más avezados en la materia lo denominaron Soul Jazz)

Lo que inició como un mero proyecto alternativo a los ritmos que usualmente Hancock desarrollaba, se convirtió en un fenómeno de ventas a nivel mundial. Herbie Hancock experimentó en más de una ocasión con  sonidos nuevos para el Jazz a principios de los 70; después de intentar  asemejarse sin conseguirlo  a la nueva expresión del jazz  que estaba tan de boga como consecuencia de los conjuntos de jazz acústico y eléctrico de Miles Davis, ante esto llegó a la conclusión, como muchos de sus contemporáneos, que su destino estaba en otra parte. En una entrevista el tecladista dijo que necesitaba "olvidarse de convertirse en una leyenda y mejor conformarse con crear algo de música para hacer feliz a la gente”

Con sólo cuatro temas revolucionó por completo la visión que se habría de tener acerca del nuevo ritmo que habría de prevalecer en los próximos años, además de ser una referencia obligada para el new beat de los años venideros.

Desde el inicio del álbum apantalla con la enorme ‘Chameleon’ del saxofonista Bernie Maupin y esos teclados que aporrean los oídos con un sonido pegajoso, rico; la versión que da a su clásico ‘Watermelon Man’ diferente a la ejecutada en ‘Makin Off’ en donde Bill Summers sopla una botella de cerveza, imitando el sonido de un hindewho, un instrumento que utilizan los Mbuti pigmeos del noreste de Zaire (cuan exótico suena esto) ‘Sly’, está dedicado a Sly de "Sly and The Family Stone" un grupo pionero de funk y soul. Esta composición es un funky al estilo de la banda que lidera Sly. Y para terminar ‘Vein Melter’, un tema lento donde el protagonismo corre a cuenta del saxofonista Bennie Maupin y del  órgano Fender Rhodes que toca Herbie Hancock.

Headhunters de Herbie Hancock es uno de mis álbums de jazz favoritos para los próximos años. 

34/100 Miles Davis 1969 In A Silent Way

Siempre innovador, iconoclasta, buscando atraer nuevas audiencias a partir de las tendencias de la época en que se movía, Miles Davis, en la búsqueda de nuevos horizontes, lo cual, lo alejó de sus seguidores del Jazz, pero le ganó adeptos del Rock.

Fue llamado a veces "El príncipe de las tinieblas" por ensayar en las noches  gran parte de su música, pero Miles Davis y su equipo dio un nuevo significado a la música con ‘In a Silent Way’  

Esta es una obra que se debe de aquilatar en las horas de silencio, entre la medianoche y el amanecer, hacia una inclinación más espiritual. En lugar de un piano mudo, ajeno al tema, cuenta con una mezcla de tres teclados electrónicos suaves que apantallan desde el inicio. Un tipo desconocido llamado John McLaughlin que se cuela con una guitarra eléctrica, no con los solos salvajes Hendrixianos con que se había electrificado el mundo del rock de la época, pero con un tono maravillosamente discreto que sólo aumenta la calidad, la clave de todo el disco.

Todo el álbum  es un ejercicio de moderación y en donde  la sencillez queda aparte; la química del grupo que marcaría el escenario de Miles y sus exploraciones en el futuro cercano.

Este álbum teje su hechizo propio a través de ser explorado, sentido, e intentar describirlo en palabras sólo puede hacer alusión a lo que la experiencia marca:  

Escucharlo es un placer.

35/100 Clifford Brown & Max Roach 1955 Study In Brown

Clifford Brown es uno de esos casos donde la tragedia aparece a muy temprana edad.

“Brownie” murió en un accidente automovilístico (que también le costó la vida al pianista de la agrupación Richie Powell, hermano de Bud) en 1956, cuando tenía tan solo 25 años.

Integrada  por Brown, Max Roach, más el contrabajista George Morrow, el pianista Richie Powell, y el excelente y sub-apreciado saxofonista tenor Harold Land (luego reemplazado por Sonny Rollins), esta agrupación logro definir hasta cierto punto lo que se transformaría en el sonido Hard Bop de los 50s, tomando en cuenta todos los atributos antes mencionados.

En “Study In Brown”, Brown y compañía nos presentan un disco increible de principio a fin, que mezcla las composiciones originales (donde destacan “Sandu” y la excelente “Land’s End”) con standards como “Cherokee” (un verdadero homenaje bopero a alta velocidad con uno de los solos más famosos de Brown en la trompeta) y “Take The A Train”, el tema emblemático de la organización de Duke Ellington, aquí en una versión nuevamente a alta velocidad, que incluye algo de desarrollo contrapuntístico en la exposición del tema y una peculiar imitación del sonido de una locomotora. Los solos por supuesto, son de la más alta calidad.

Esta banda tenía un potencial ilimitado, hasta que la tragedia apareció.

36/100 The Quintet 1952 Jazz At Massey Hall

Un concierto mítico que quedó para la posteridad; por una parte, la calidad de sus integrantes; por la otra la serie de casualidades en la que estuvo envuelto.

Grabado en el Massey Hall de Toronto Canadá el 15 de Mayo de 1953, la New Jazz Society eligió a los mejores músicos del momento y decidió que tenía que haber un concierto con todos ellos. El resultado, la unión de ‘La crema y nata del Bebop’: Charlie Parker en el saxofón; Dizzy Gillespie en la trompeta; Bud Powell en el piano; Charles Mingus en el contrabajo y Max Roach en la batería.

Se pensaba que iba a ser un concierto fuera de lo normal, apoteósico y es en esta parte donde se desencadenan una serie de eventos por demás extraños:

Y aquí viene la parte interesante, un poco larga, pero de esta manera fue.

En primer lugar Charlie Parker llegó a Toronto sin saxofón, debido seguramente a que estaba empeñado en alguna tienda de Nueva York a cambio de dinero para una dosis de heroína, ante lo cual tocó con un saxofón de plástico que le prestaron en una tienda de Toronto.

Bud Powell acababa de salir del sanatorio mental de Creedmore, en Long Island y tocó totalmente ebrio (Que gente!). Por otra parte, Dizzy Gillespie y Charlie Parker traían un pleitazo de comadres que cualquier vecindad de la Cd. de México palidecería debido a la cantidad de improperios que se decían uno y otro, y aunque el concierto fue una tregua en sus tirantes relaciones, la compenetración entre ambos no parece que fuera la mejor posible.

Al menos Max Roach y Charles Mingus estuvieron en condiciones 'normales'. 

Por si todo esto no era suficiente, esa misma noche se celebraba la pelea por el título mundial de los pesos pesados de boxeo entre Rocky Marciano y Jersey Joe Walcott , con lo cual el concierto fue un fracaso de público y por tanto económico: de un auditorio para 2500 personas sólo se vendieron 700 entradas!!!!. Por este motivo, Dizzy Gillespie, que era un gran aficionado al boxeo, durante toda la actuación se dedicó a observar el desarrollo del combate entre bastidores, más que a estar concentrado en la actuación. De hecho Marciano ganó por K.O. en el primer asalto lo que le disgustó bastante. Incluso entre la actuación del trío formado por Powell, Roach y Mingus, y la del quinteto, tanto espectadores como músicos salieron del teatro y fueron al bar de la acera de enfrente, el ‘Brass Rail’, a beber y a ver el combate.

De hecho, los organizadores tuvieron que ir, tanto por los músicos como por los espectadores al citado bar para poder continuar con el concierto. Una vez finalizado el concierto, a la hora de ir a cobrar los honorarios, Charlie "Chan" Parker no se fió demasiado de los pagarés que les dieron a los músicos e hizo avalar con su propio dinero a los organizadores los cheques para poder efectivamente cobrar sus honorarios (el billete es el billete)

Si dicho concierto se encuentra grabado se debe a que Charles Mingus llevó un micrófono junto con un megatófono para registrar el concierto con la idea de editarlo con su sello DEBUT, harto de la explotación que los músicos sufrían por parte del negocio musical.

De hecho, en el concierto, la parte de bajo quedó tan mal registrada que posteriormente el propio Mingus regrabó todo su trabajo para la edición del concierto.

La respuesta de Parker, harto de todo el negocio montado alrededor de unos músicos (fundamentalmente negros) mal pagados por unos empresarios y dueños de casas de discos (fundamentalmente blancos y no precisamente pobres), fue pedirle 100,000 dólares como adelanto por los derechos de autor por dichas cintas. También es de resaltar que por motivos contractuales Charlie Parker sólo podía publicar en el sello Mercury. Para evitar estos problemillas, en los créditos del disco figura como Charlie Chan, en homenaje a su mujer Chan Parker

Después de todos estos antecedentes puede parecer como cosa más normal que el concierto resultara un absoluto desastre, pero no fue así ni mucho menos. El grupo se encuentra compenetrado totalmente. Todos se dedican a ejecutar unos solos absolutamente espléndidos. Charlie Parker suena como si tocara un saxofón de oro. Bud Powell toca con la mayor de las concentraciones. Dizzy Gillespie está inmenso, los mismo que Max Roach y Charles Mingus.

A pesar de todo lo que pasaron, es considerado uno de los mejores conciertos de toda la historia, si no el mejor.

37/100 The Oscar Peterson Trio 1962 Night Train

Hipótesis: Si hay algo que se pueda ajustar a la definición: 

“De poca madre!!!” 

es exactamente este álbum....

¿Como puede ser posible que un piano, un contrabajo y una batería puedan destilar calidad en exceso?

Oscar Peterson en el piano, Ray Brown en el contrabajo y Ed Thigpen en la batería dan una verdadera y auténtica cátedra de música valhallica que al escucharla no hace más que uno quede deliciosamente estúpido al escucharlo la primera, cien, mil veces, siempre vas a encontrar algo nuevo en el, y te sorprenderá.

Si no te dejas seducir desde el inicio con la magistral ‘Happy-Go-Lucky-Local (Aka Night Train) del ‘Maraja del Piano’, nombrado así por el mismísimo Duke Ellington, entonces, que buscas?

Que es muy fácil de entender este álbum?

Es más difícil de apreciar como conjunto, lo que este trío es capaz de realizar cuando de ejecutar se trata.

Para que tanto rollo? Disfrútalo.

Conclusión: Auténticamente-de-poca-madre…

38/100 Hank Mobley 1960 Soul Station

Rompiendo los moldes habituales del Jazz, con el saxo tenor de Hank Mobley aparece acompañado de un trío de antología que pasó a ser el mejor de la época.

El pianista Wynton Kelly y el bajista Paul Chambers estaban trabajando regularmente con Mobley en la banda de Miles Davis, mientras que el explosivo baterista Art Blakey había trabajado con él en los geniales y originales Jazz Messengers, es por eso que en este álbum demuestran  la familiaridad entre ellos y la capacidad de pensar lo que el otro deseaba hacer.

La firma Blue Note tenía una reputación para la producción de los mejores artistas de Jazz, y ningún músico se ajustaba  a la descripción de Mobley, quien emprendió la tarea de hacer música con un enfoque esmerado y esa consistencia que no atrajo tanta atención entre el público como el se lo merecía.

Mobley era uno de los saxofonistas con más talento de su generación, un artista extraordinariamente lírico, más no innovador en su quehacer artístico, un obstáculo infranqueable. El sonido limpio y sin complicaciones que resultaron de este grupo ayuda a que sea el mejor entre sus álbumes y un momento cumbre durante un período particularmente fuerte en su carrera. Hasta que después de muchos años se consideró un artista estelar con una técnica sólida y depurada, más no innovadora, debido a las súper estrellas que lo acompañaron, aseguraban,  fue el éxito de ‘Soul Station’.

La canción que da título al álbum, es de verdadero éxtasis...

Hay conciencias que no aceptan limitaciones

39/100 Chet Baker 1956 My Funny Valentine

Con un toque de melancolía, de auténtico ‘feeling jazzistico’ de esa manera tocaba Chet Baker.

El es uno de los talentos del jazz pasados por alto. Cada aficionado al jazz es muy consciente de su forma de tocar la trompeta, tanto en solitario como con el cuarteto de Gerry Mulligan. Su estilo legendario en el instrumento ayudó a establecer su posición como uno de los más influyentes en el manejo de la trompeta.

Llenó a ‘My Funny Valentine’ con varias normas de compositores como Cole Porter, que era una tendencia popular entre los cantantes de jazz de la época.

Junto con dos maestros el gran Gerry Mulligan y el bajista Carson Smith sugirió una balada llamada "My Funny Valentine", que nadie en el grupo había escuchado nunca antes, la cual se volvió un referente obligado para los enamorados, a tal grado que fue un éxito de inmediato en la voz del cantante de cantantes Frank Sinatra.

Pasó unos años terribles debido a su adicción a la heroína (si, otro más) encarcelado,  expulsado de cualquier cantidad de países, Alemania lo mandó a Suiza que a su vez lo mandó a Francia, de ahí a Inglaterra para finalmente deportarlo a Estados Unidos.

En el verano de 1966, sufrió una gran madrina en San Francisco que estaba relacionada con su adicción a las drogas. Como consecuencia de ella, sufrió algún desperfecto en su dentadura que le llevó a modificar su embocadura en la trompeta. Hacia finales de los sesenta, grababa y actuaba sólo de forma ocasional; a comienzos de los setenta, se retiró por completo.

Mi alegre Valentine,
dulce y divertida Valentine,
 haces sonreír a mi corazón.

 Tus miradas son traviesas,
 no se pueden fotografiar,
 sin embargo, eres mi obra de arte favorita.

 Tu figura está por debajo de la de un griego?
 Tu boca es poco convincente?
cuando la abres para hablar,
¿eres elegante?

No cambies ni un pelo por mí,
no lo hagas si te importo un poco,
no dejes de ser la joven enamorada,
cada vez que sea el Día de San Valentín.

“Chettie era tan dotado y tan mágico que lo que le dio al Jazz nunca podría volver jamás"

40/100 McCoy Tyner 1967 The Real McCoy Tyner

Referente obligado, piedra fundamental en el Cuarteto de John Coltrane, no en vano pasó a la historia al participar en los discos ‘My Favorite Things’ y el inconmensurable ‘Love Supreme’ [entre otros].

Alfred McCoy Tyner el cual se convertiría al Islam y se llamó Sulaimón Saud para posteriormente regresar a su nombre habitual (Válgame!) tiene un estilo muy particular para tocar el piano el uso del bajo con la mano izquierda, ya que tiende a levantar el brazo relativamente alto por encina del teclado para un ataque enfático.

En 1965 Coltrane comenzó a experimentar con más música atonal, derivado de una cada vez más exagerada adicción a la heroína, a los delirios que le provocaba y de esta manera se embarcó en una nueva dirección musical que Tyner no estaba interesado en seguir. Fue en este momento en que McCoy Tyner comenzó su carrera en solitario.

En 1967 se lanzó el mensaje de una nueva era "The Real McCoy" con Joe Henderson, Ron Carter y Elvin Jones. En el álbum se nota lo aprendido a Coltrane, en el cual aún no se ha desprendido del todo, es una relación larga de la cual cada quien extraña al otro.

‘Passion Dance’ pretendía ser una canción más espiritual, dándole un toque de danza  entre afro-americano, lo que dio como resultado, a un simbiosis de la música que realizaba con Coltrane. Como un musulmán devoto, Tyner habría tenido poco tiempo para el panteísmo del jazz astral, y, presumiblemente, menos aún por las drogas psicodélicas utilizadas por algunos de sus practicantes.

Constructor del mito John Coltrane, y toda una celebridad a los 74 años McCoy Tyner

41/100 Thelonious Monk & John Coltrane 1957 At Carnegie Hall

Una más de esas extrañas casualidades que tiene la vida.

Grabado en 1957 en el mítico Carnegie Hall el día de Acción de Gracias, a beneficio del Morningside Comunity Center de Harlem, y en el cual participaron sin cobrar un solo centavo Dizzy Gillespie, Billie Holiday, Ray Charles, Chet Baker y Sonny Rollins.

En abril de 1956, Coltrane tuvo un fuerte enfrentamiento por su afición a las drogas con Miles Davis, concluyendo la disputa cuando Davis expulsa al saxofonista de su afamado quinteto. John se traslada a Philadelphia con la intención de desintoxicarse de la heroína y el alcohol. Poco después, se incorpora al cuarteto de Thelonius Monk para una serie de actuaciones en el club Five Spot.

Alejado de la presión de Davis, el genio de Coltrane se desarrolla de forma libre junto a la singularidad excepcional del maestro Monk, su lenguaje musical encuentra nuevas vías y espacios creativos. Lamentablemente, de ese concierto que los críticos calificaron de extraordinario, no había quedado ningún registro sonoro.

Hasta que para beneplácito de muchas personas lo hallaron.

Las cintas del concierto de Monk y Coltrane fueron grabadas por ‘La Voz de América’ y de manera incomprensible se guardaron en los sótanos de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, en perfecto estado de conservación; no es hasta el año de 2005 cuando se reencuentran con el archivo el supervisor Larry Appelbaum y luego ésta magnífica obra fue restaurada por el productor Michael Cuscuna y Monk TS (el hijo de Monk).

Thelonious Monk Quartet with John Coltrane at Carnegie Hall es un disco histórico e imprescindible en la historia del jazz y a la vez, el testimonio del estado de transición exuberante, tanto creativo como interpretativo, en el que se encontraban ambos músicos.

La grabación ha sido muy elogiada, la revista Newsweek lo llamó el "Equivalente musical de el descubrimiento de un nuevo Monte Everest"

42/100 Kenny Burrell 1963 Midnight Blue

Para que un solo guitarrista haya servido de influencia a generaciones enteras hay que tener clase. La música de Kenny Burrell es una maravillosa mezcla de elegancia y convicción, de inventiva musical y contención reflexiva. En este período de sesiones de 1967, el guitarrista está acompañado por sus colaboradores habituales  el saxofón tenor Stanley Turrentine, en  las congas Ray Barretto , el bajista Holley Mayor, y el baterista Bill English, juntos se  concentraron en los matices más sutiles y profundos del blues. No hay nunca un paso en falso o una nota superflua, desde el exitoso funky "Carne Con  Chitlins"

Ha trabajado con: Dizzy Gillespie, Oscar Peterson, Benny Goodman, Jimmy Smith, Stan Getz, Gil Evans, Chet Baker, Gene Ammons, Donald Byrd, Ron Carter, Paul Chambers, Nat "King" Cole, John Coltrane, Bill Evans, Red Garland, Herbie Hancock, Coleman Hawkins, Joe Henderson, Billie Holiday, Milt Jackson, Elvin Jones, Etta Jones, Jackie McLean, Hank Mobley, Wes Montgomery, Sonny Rollins, Clark Terry, Cal Tjader, Stanley Turrentine, Sarah Vaughan, Mal Waldron, Cedar Walton, Dinah Washington

Además ha sido influencia de Stevie Ray Vaughan, BB King, George Benson, Jeff Beck, Carlos Santana, Jimmy Page y hasta el mismísimo Jimmi Hendrix (por tan solo mencionar algunos)

A sus 81 años Kenny Burrell sigue destilando maestría…

43/100 Art Pepper 1957 Meets The Rhythm Section

La palabra ‘calidad’ encaja perfectamente en este álbum; en el se encuentran las tres quintas partes de la legendaria banda que acompañó a Miles Davis en los años 50’s. 

El bajista Paul Chambers estaba allí, tocando y haciendo una reverencia, inevitablemente, en formas innovadoras infecciosas, junto con el pianista Red Garland y el baterista Philly Joe Jones, ante lo cual lo volvieron una grabación mítica.

En la mañana de la sesión de grabación, el 19 de enero de 1957,  la esposa de  Pepper, Diane, le informó que había obtenido una sesión de grabación en la tarde con la sección rítmica de Miles Davis que se encontraban en Los Ángeles California de gira.

Por desgracia, sorprendido, nervioso ya que en meses no había tocado; con un saxofón en mal estado y con una urgente necesidad de repararlo y sin dinero; (para pronto, toda una tragedia su vida!) ante lo cual, y enfrentando una severa crisis emocional, Pepper se aplica una cantidad extra de heroína, ya se imaginará el lector en el estado que llegó al estudio.

La música producida a partir de este caos ha sido descrita como "un diamante de la historia del jazz"

El material para la sesión había sido previamente seleccionado por los artistas. Tras un breve debate, el baterista Philly Joe Jones sugirió  que iniciaran con la clásica de Cole Porter "You’d  Be so Nice To Come Home" y la histórica sesión estaba en marcha.

Como ejemplo de calidad que se imprimió, ‘Red Pepper Blues’ se grabó con tan sólo un ensayo!

"La imaginación" se acerca a la ternura con la elocuencia de Pepper.

44/100 Count Basie Orchestra 1957 The Complete Atomic Mr. Basie

En la era que todo se consideraba ‘atómico’, el Jazz tampoco pudo quedarse ajeno ante el auge del momento. Es así como la Orquesta de Count Basie se une al momento histórico [exclusivamente en el título] debido a la gran depresión monetaria que les pegó durísimo a los Norte Americanos.

A lo largo del álbum, cada sección tiene un momento para brillar. Basie acepta nada más que la maestría musical que le procede y eso es exactamente lo que consiguió, maestría.

Se pueden  oír la sección de metales, nítidos, claros, diáfanos, sobre todo cuando se sube el volumen, y cómo no se puede hacer eso teniendo en cuenta este es el inimitable Basie? Los solos de trompeta realmente se disparan y  el clásico distintivo de Basie, sus maravillosos dedos al piano, los cuales vuelan a través de las teclas de su instrumento en un acoplamiento sencillamente genial con su orquesta.

Hasta la portada es considerada como una de las más famosas de toda la historia de la música con todo y su visión apocalíptica que conlleva, y por supuesto sin faltar LA ECUACIÓN MÁS CONOCIDA POR TODO EL MUNDO AUNQUE NO SEPAN QUE SIGNIFIQUE!!!!

E= mc²

  

Basta tan solo escuchar (entre otras) ‘Sleepwalker’s Serenade, para darse un agasajo!

Grandilocuencia de grado superlativo, Count Basie

45/100 The Mahavishnu Orchestra 1971 The Inner Mounting Flame

John McLaughlin jamás imaginó el impacto que iba a provocar en la historia del Jazz con el exquisito “The Inner Mounting Flame”.

Influenciado por el ‘Bitches Brew’ de Miles Davis explora el Jazz-Fusion, el Jazz-Rock, el Jazz Progresivo; es decir, no hay forma de encasillar algo tan portentoso, debido a esto está considerado como el mejor de toda la carrera de McLaughlin.

A través de los vuelos espirituales que alcanza, la furia intensa y la tranquilidad exquisita que conlleva, nunca pierde su sentido de la fuerza intrínseca que tiene. Jan Hammer en los teclados, Jerry Goodman en el violín, y el bajista Rick Laird son totalmente comprensivos con la visión de la guitarra de John McLaughlin; así como la música abandona el formato estándar del jazz, de los solos sucesivos a favor de la rápida elevación, las contribuciones interactivas se expanden, aunado a una estructura más elaborada de la música clásica de la India ante la cual sorprendentemente, la música mantiene la disciplina.

La alquimia de McLaughlin destila muchos mundos de la música de los grandes maestros de la guitarra de jazz, flamenco, blues, de las tonadas hindúes,  además de su experiencia en las innovaciones y por supuesto, la distorsión, la retroalimentación, mención aparte la (enorme) influencia de Sri Chinmoy, guía espiritual de McLaughlin para retroalimentar sus sentidos. Basta tan solo escuchar “The Dance Of Maya” para entender el grado de espiritualidad que conlleva, es jazz, es blues, es rock, es verdadera dulzura para los oídos.

  

Espiritualidad que llena los sentidos, The Mahavishnu Orchestra

46/100 Miles Davis 1950 Birth Of The Cool

¿Qué es Cool? En su esencia misma, es genial todo lo que está pasando al lado. En la cultura popular, lo que está pasando al lado es un caleidoscopio que abarca el pasado, presente y futuro: lo que está a punto de suceder puede estar Cool, y lo que sucedió en el pasado lejano, también puede ser Cool.

Esta cualidad atemporal, cuando se aplica a la música, permite el debate minimalista con pocas excepciones, lo que ha sido genial siempre será genial. 

(Que frase me acabo de echar y nadie estuvo aquí!!! Merece que la pongan con letras de oro afuera de mi cuarto de azotea!!!)

Durante casi seis décadas, Miles Davis, ha encarnado todo lo que es genial en su música (y más especialmente el jazz), en su arte, la moda, el romance, y en su particular forma de deleitarnos, durante todos este tiempo.

Con tan solo 22 años de edad, Miles supo extraer de músicos de poco renombre en la escena del Jazz un álbum paradigma entre lo ‘nuevo’ que buscaba, sin dejar de todo el bebop. Lo acompañan Junior Collins, Sandy Siegelstein o Gunther Schuller John Barber tuba;  Gerry Mulligan, saxo barítono; Lee Konitz, saxo alto; John Lewis, piano; Nelson Boyd contrabajo y Max Roach, batería, entre otros.

Y nació el Cool…

47/100 Benny Goodman 1938 Carnegie Hall Concert

El Rey del Swing; así es conocido el gran clarinetista y director de orquesta Benjamín David Goodman, ya que junto con Glenn Miller y Count Basie marcó un hito en la historia del Jazz, las grandes bandas que atestaban por completo los salones donde se presentaban.

Pero porque el Carnegie Hall  Concert fue tan relevante? Debido a que en este recinto solamente se utilizaba para la música clásica.

La leyenda sostiene que la idea de presentar a la banda de Goodman en concierto en el Carnegie Hall comenzó como un truco publicitario por Wynn Nathanson, el publicista de Goodman. Inicialmente Bennny tenía sus dudas acerca del evento y el temor que el swing fracasara ante un público no acostumbrado a este tipo de música; por tal motivo canceló presentaciones para que en los ensayos previos todo fuera perfecto y la banda se acostumbrara a la acústica del local.

Se rodeó de lo mas granado de los músicos, destacando el mismísimo Count Basie, Buck Clayton , Harry Carney , Freddy Green , Lester Young y Johnny Hodges , entre otros afamados.

El concierto fue apoteósico, grandioso según cuentan las crónicas, Todos los asientos los vendió con semanas de antelación. Los mejores asientos tenían un precio de 2,75 dólares en un momento económico en que la mayoría de los obreros se llevaban a casa  menos de 20 centavos de dólar por hora.

Para los niños y los artistas pobres, había balcón de tercer nivel y de pie tenía  un precio de 85 centavos.

El paroxismo llegó a tal extremo que en el momento de tocar Swing, Swing, Swing, todos estaban bailando en la sala, la mayoría estaban aplaudiendo y gritando, y los jóvenes corriendo alrededor del escenario, para gran disgusto de ambos Goodman y los críticos. A menudo se rumorea que Goodman no le gustaba de los bailarines. Mientras él estaba dispuesto a jugar con todo tipo de público, ya que prefería mantener a los bailarines en el salón de baile y los asistentes a los conciertos en sus asientos. Los hombres jóvenes, apodado "ickies", iban a pasar el rato en el borde del escenario gritando, saltando y meneando la cabeza con la música .... [Indicios históricos de los precursores de los "metaleros"], si se quiere. Goodman, especialmente odiaba a estos tipos, entonces comenzaron a improvisar para alargar el momento, a tal grado de llegar a 12 minutos de ejecución.

Existen varias grabaciones y remasterizaciones de éste histórico concierto, ya que además fue el primer disco que se grabó en vivo, sin embargo (y no es por echarse el guayabazo) es el original que se consiguió de una fonoteca particular, de la cual agradezco que me hayan prestado los ¡ORIGINALES LP A 33 RPM! Sino, checa las portadas de los tres…

Maestro de maestros!!!! Benny Goodman.

48/100 Coleman Hawkins 1956 Body & Soul

Un álbum que lo tiene todo, cuerpo, alma y por supuesto, el corazón que se imprime en cada una de sus melodías. 

Coleman Hawkins inició su carrera en 1922 en la orquesta de Fletcher Henderson, donde, por primera vez convirtió el saxofón en instrumento solista,  es Considerado el "padre" del saxofón tenor en el jazz.

Body & Soul es una recopilación de sesiones realizadas entre 1939 y 1956 en el auge del swing, a la mitad del bebop y alcanzando la fama de las grandes bandas de la época. Participan celebridades tales como: el pianista Hank Jones , el baterista Max Roach, el trompetista Fats Navarro Benny Carter en la trompeta,  JC Higginbotham en el trombón, junto con el clarinetista Danny Polo, entre otros.

La canción homónima "Body and Soul" Hawkins la grabó a los pocos meses de su regreso a los Estado Unidos tras su no tan buena gira por Europa. 

En tres minutos -los tres minutos mas gloriosos de la historia del jazz, según algunos críticos - la reinventa literalmente con unas variaciones que solo se pueden calificar de geniales por su coherencia y su sentido de la métrica. "Body and Soul", es el mejor sentido de la palabra, un solo de saxo tenor perfecto que revolucionó en aquel momento, y en aquélla época, el concepto y el lenguaje del instrumento.

Desde entonces, pocos son los saxofonistas que no se lo han aprendido de memoria.

"Body and Soul", es un punto de referencia tanto en el lenguaje armónico del jazz y la arquitectura musical improvisada.

Parteaguas en el manejo del saxofón, Coleman Hawkins.

49/100 Andrew Hill 1964 Point Of Departure

Complejo y desafiante, así se puede describir al pianista Andrew Hill debido a la profundidad del trabajo que desarrolla. Después de trabajar con Dinah James e influenciado por el Free Jazz que estaba generando John Coltrane y Ornette Coleman se reúne con personalidades como Kenny Dirham (trompeta) Eric Dolphy (saxofón alto flauta, clarinete bajo) Joe Henderson (saxofón tenor) Richard Davis (bajo) y Tony Williams (batería).

Point Of Departure es el tercer trabajo de Hill, el cual es catalogado como diabólicamente brillante, donde cada miembro de la banda genera la música en donde  incluye armonías disonantes, a menudo emplean múltiples ideas melódicas, y con frecuencia hacen gala de su virtuosismo. Todos están allí, pero una actuación de  perfecta precisión no parece haber sido la demanda de Hill.

Piedra angular de una grabación de Jazz que cada oyente de Jazz serio debe escuchar.

50/100 Duke Ellington 1942 The Blanton-Webster Records

Uno de los músicos de jazz más importantes e influyentes del siglo XX, Edward "Duke" Ellington. Compuso material nuevo sin descanso, específicamente escrito para obtener el máximo rendimiento de los miembros de su banda.

La banda Blanton-Webster combina la majestuosidad de todas las grabaciones de la Orquesta de  Duke Ellington  durante los años de 1940 a 1942, acompañado del bajista Jimmy Blanton y el saxofonista tenor Ben Webster.

Las grabaciones fueron hechas originalmente para la RCA Víctor en lo que muchos críticos consideran como el período de oro de la orquesta de Duke.

La Rolling Stone lo considera "Una obra maestra de la composición y el liderazgo" y "Una serie de triunfos individuales en el equipo más grande de músicos de jazz que jamás se haya reunido"

Con 66 excelentes composiciones lo hacen esencial para cualquier amante del Jazz o que apenas comience su travesía (Que más se puede pedir???)

Maestro de abolengo, Duke Ellington 

51/100 Bud Powell 1953 The Definitive Bud Powell

Dentro de las personalidades del Jazz, destaca la figura de Earl Rudolph Powell ‘Bud Powell’ ya que no se sujetaba a los procesos convencionales que el Jazz exigía. Todavía hoy en día, constituye la cumbre técnica insuperada del piano "bebop" y se le recuerda como el músico mas influyente de este movimiento, después de Charlie Parker, pero por delante de todos los demás, Dizzy Gillespie, incluido.

 Su infancia estuvo saturada de música, su hermano mayor tocaba profesionalmente la trompeta y el violín y su abuelo, Zachary, fue el mejor guitarrista flamenco de Estados Unidos. Su padre, pianista adscrito al estilo "stride" apoyó su temprana vocación y le dio las primeras clases.

No fue hasta 1944, cuando animado por Thelonious Monk, ingresó en la orquesta de Cootie Williams y grabó un solo muy breve sobre "Blue Garden Blues", primera muestra real de su colosal talento. Ese mismo año sufrió su primera detención por escándalo público y al año siguiente recibió una brutal paliza de la policía de Philadelphia que presumiblemente lo dejó tocado para siempre. Sus trastornos psíquicos se reprodujeron y fue enviado a un Hospital Psiquiátrico de Long Island. En 1946, recuperado, se incorporó al pequeño combo del contrabajista, John Kirby y la casualidad hizo que esa pequeña formación fuera contratada en el Minton's Playhouse de Harlem, el "templo" del bebop donde Powell entró en contacto con la plana mayor de aquel movimiento, lo que le permitió participar entre 1946 y 1947 en un buen numero de jam sessions con Dexter Gordon, Jay Jay Johnson, Sonny Stitt, Kenny Clarke y Sarah Vaughan, entre otros.

Su debut como líder se produjo el 10 de enero de 1947 para el pequeño sello "Three Deuces", y en mayo de ese año, grabó el único registro en estudio para la Savoy con Charlie Parker. Un largo paréntesis de dos años, consumidos en su mayor parte internado en el "Creedmore Sanatorium", donde llegó incluso a recibir tratamiento de electrochoques, dio paso, paradójicamente, a su periodo mas fértil y artístico. A partir del 8 de agosto de 1949, bajo la supervisión de Alfred Lion y Francis Wolf, Bud Powell, dejó en las arcas del sello Blue Note, otra visión del pianismo moderno perfectamente compatible con la que apenas dos años antes había aportado, Thelonious Monk. Nuevamente ingresado durante diecisiete meses en en otro Hospital Psiquiátrico, cuando en febrero de 1953, recibió el alta, formo un trío estable con el contrabajista, George Duvidier y el batería, Art Taylor.

El 15 de mayo de 1953, se produce un hecho histórico en la vida profesional de Bud Powell. Junto a Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Charles Mingus y Max Roach, participó en un multitudinario concierto celebrado en el Massey Hall de Toronto en Canadá, considerado el canto del cisne del bebop y quizás el mejor concierto de jazz de todos los tiempos. A partir de entonces, Powell, comenzó a entrar en una fase de profundo deterioro mental casi irreversible, pero en 1956 realizó un gira por Europa junto a Miles Davis, Lester Young y el Modern Jazz Quartet de Milt Jackson. Repitió visita al viejo continente en 1959, pero esta vez se quedó cinco años. Le acompañó Altevia Edwards, mas conocida como "Buttercup" y eligió Paris como lugar de residencia.

 Sus dos últimos años los pasó en un apartamento de Brooklyn acompañado por su hija Celia.

Ya casi  al final de su vida, participó en 1965 en sendos conciertos celebrados en el Town Hall y en el  Carnegie Hall, este ultimo en homenaje al décimo aniversario del fallecimiento de Charlie Parker, pero el 31 de julio de 1966 falleció en el "Kings County Hospital" de Brooklyn. Más de cinco mil personas se echaron a la calle espontáneamente para homenajearle y en su entierro, Barry Harris y Lee Morgan, tocaron en su honor. Como decía Francis Paudras: 

".... Bud Powell tenía dos personalidades. Una le impulsaba a luchar y superar sus problemas, para tocar y crear música. La otra le arrastraba a la autodestrucción, a la falta absoluta de respeto hacia si mismo y esta ultima ganaría la partida".