53/100 Larry Young 1965 Unity

Grabado en 1965, en el resplandor de la primera oleada significativa del Avant Gard Jazz, ‘The Unity’ es el álbum que puso a Larry Young (órgano Hammond B-3), Woody Shaw (trompeta) en la cima conjuntamente con Joe Henderson (Sax Tenor) y Elvin Jones (Batería)

A pesar de su efímera existencia (38 años) fue considerado como el John Coltrane del órgano! El cual sentó un nuevo precedente en el Jazz, estudió piano clásico, pero debido a la influencia de su padre se dedicó al añorado y muy inusual, exacto! el órgano Hammond B-3; participó con artistas como Lou Donaldson, Kenny Dorham, Hank Mobley y Tommy Turrentine, entre otros.

The Unity es considerado su obra magna debido a la soltura y cadencia que imprime en cada una de sus canciones, aunado a los otros tres portentos es considerado una obra cumbre.

Posteriormente Young se ve atraído por el mundo del fusion jazz y aparece junto a John McLaughlin y Tony Williams en los créditos del álbum de Miles Davis Bitches Brew verdadera piedra angular del nuevo estilo muy de boga.

Y después desaparece de la escena musical por completo.

Fallece a consecuencia de una neumonía en 1978.

El diseño de la portada, es un trabajo de Reid Miles, uno más de los muchos efectuados para Blue Note y que son objeto de culto.

Otro más de los efímeros pero sustanciosos, Larry Young

54/100 Erroll Garner 1955 Concert By The Sea

El pianista Erroll Garner fue uno de los grandes improvisadores de todos los tiempos  y no exclusivamente en su música. Se negó a hacer cualquier tipo de plan hasta el último minuto, también tocó miles de canciones enteramente de oído, sin siquiera molestarse en aprender a leer música en partituras. De esa manera compuso muchas canciones originales. Por lo tanto, no debe sorprender que Garner hiciera su mejor disco el legendario "Concert By The Sea" prácticamente por accidente.

El 19 de septiembre de 1955, Garner realizaba un concierto en Fort Ord, una base del ejército cerca de Carmel, California, a instancias del empresario Jimmy Lyons. Martha Glaser, quien se desempeñó como representante de Garner durante casi toda su carrera, pasó a ser el backstage, cuando se dio cuenta de una grabadora en marcha. Resultó que el show estaba siendo grabado - sin el conocimiento de Garner - por un aficionado al jazz y erudito llamado Will Thornbury, estrictamente para el disfrute de sí mismo y sus compañeros de servicio. La Sra. Glaser le dijo: "Voy a dar copias de todos los registros de Erroll, esto jamás se ha hecho, pero no puedo permitir que usted mantenga la cinta". Ella lo llevó de vuelta a Nueva York donde se reunió con los representantes de Columbia Records. Garner había dejado realmente de Columbia hacía más de tres años

Cuando Columbia lanzó "Concert By The Sea" en vivo y en LP de acetato de vinyl de 12 pulgadas  era una sensación fuera de control.

Se convirtió en el Nº 1, récord de 30 años de carrera de Garner y uno de los discos de jazz más populares de todos los tiempos.

 No es difícil saber por qué: A partir de la primera nota, Garner juega como un hombre inspirado. Toca con una combinación de ingenio, imaginación, habilidad asombrosa, técnica y alegría mucho más allá de casi todos sus compañeros pianistas, pero en esta noche en particular llegó a un nivel superior. 

Autumn Leaves muestra la enorme calidad de este músico de época.

Azares del destino? O Un Simple engaño… Erroll Garner

55/100 Sarah Vaughan 1954 Sarah Vaughan with Clifford Brown

Una más de las voces imperdibles en la escena del Jazz: Sarah Lois Vaughan. Debido a su talento fue solicitada por Gillespie, Parker y Eckstine, se especializó en cantar bebop y aprendió a modular la voz al son de la trompeta (seat-chorus).

También  se la reclamó por no trabajar con Hines y Clifford Brown, sin dejar de trabajar con clásicos como Miles Davis.  Fuera del bebop, Sarah dejó constancia de su calidad como cantante en sus colaboraciones con la orquesta del prestigioso Count Basie.

Esta edición cuenta con la colaboración clásica entre el cantante Sarah Vaughan y el trompetista Clifford Brown en un ambiente espontáneo. Rodeado de grandes músicos (Clifford Brown, Herbie Mann, Quinichette Paul, Jimmy Jones y Roy Haynes, entre otros), los arreglos excelentes de Ernie Wilkins y un programa de canciones no menos de bueno, es más excelente.

Vaughan era una bebedora empedernida aunque, nunca hubo ningún incidente que afectara a su habilidad interpretativa. Supuestamente, fue usuaria habitual de marihuana y cocaína a lo largo de su carrera, pero era discreta en su uso y nunca sufrió de adicciones que la debilitaran o problemas con la ley que acabarían descarrilando su carrera como muchos de sus colegas. También fue fumadora durante toda su vida, lo que casi con seguridad contribuyó a su muerte prematura por cáncer de pulmón a la edad de 66 años, esto, no está debidamente comprobado!

Voz cadenciosa y sensual Sarah Vaughan

56/100 Lester Young 1952 Lester Young With The Oscar Peterson trio

El término "clásico americano" no puede ser más apropiado que en la descripción de Lester Young. Un músico de jazz que vino de Louisiana, el cual era famoso por su "Original Bayou Sound" sin embargo, pasó mucho tiempo en Minneapolis, el joven era tan original como original se pueda ser, no en vano formó parte de la orquesta de Count Basie.

Lester Young With The Oscar Peterson trio, es en realidad una fusión de dos álbumes de la década de 1950, el álbum original del mismo nombre, y The President Plays Oscar Peterson Trio. Ambos se registraron en noviembre de 1958, después de su trágica experiencia militar durante la Segunda Guerra Mundial, Young sufría de largos períodos de depresión y alcoholismo debido a  los efectos aplastantes de haber participado en esa masacre, su forma de tocar puede haber sido la única parte de él que sobrevivió a esa experiencia tan atroz.

En este punto de su carrera, el joven optó por una sección rítmica simple para la mayoría de sus actuaciones y grabaciones, en lugar del estilo de Count Basie, alejado de la big band que lo hizo famoso. Y, al igual que muchos grandes, a medida que envejecía, el joven comenzó a concentrarse más en las baladas.

Pero nada de eso demuestra que su forma de tocar nunca fue un bien como antes de la guerra.

Un Guernica Americano, Lester Young

57/100 The Modern Jazz Quartet 1956 Django

Conocidos por ser el primer cuarteto de ‘Jazz de Cámara’ al introducir el estilo barroco y el vibráfono.

Fundados por el pianista y director musical John Lewis, el vibrafonista Milt Jackson, el bajista Percy Heath  y Connie Kay, el último en unirse en sustitución del veterano baterista Kenny Clarke.

John Lewis trabajó durante algunos años con Dizzie Gillespie, pero traía en la cabeza la idea de que el Jazz tenía que ser más melódico, más conceptual, un poco menos para la gente de los clubes nocturnos y dirigido para el respetable que acudía a las salas de conciertos. 
De ahí nació este concepto ‘Django’ en honor de Django Reinhardt el cual es la recopilación de dos trabajos previos realizados en 1953, lo cual dió como resultado unas composiciones sobrias y elegantes.

Momento!!!!!!!!!!!

Como discrepo de este álbum (la verdad, no se si porque fue el primero que escuché de MJQ) me quedo ampliamente con el:

57/100 (Bis) The Modern Jazz Quartet 1974 Blues On Bach

Conjunción (casi) perfecta entre el Jazz y el barroco; donde inicia la música de cámara y donde el Jazz.

La idea de Lewis de hacer un binomio entre su legado y la música de Bach queda de manifiesto en la excelsa ‘Tears For The Children’ y ‘Don´t Stop This Train’. 

Este es un experimento musical que lo convierte en bastante agradable al oído; aunque la música de Bach no da mucho para improvisar en el Jazz, salvo el clavecín.

Sin embargo 'Blues In C Minor' está de lujo!!!!

Sublimes, así es The Modern Jazz Quartet

58/100 Ornette Coleman 1958 Free Jazz

Otro de los discos que en su nombre llevan la fama ‘Free Jazz’. 
Solo a Ornette Coleman se le ocurrió poner a dos cuartetos para que ejecutaran la misma música uno frente al otro, improvisando! Lo cual le ganó una andanada de críticas ya que decían que eso no era Jazz, ni nada que se le pareciera.

Sin importarle esto se convirtió en un hito en la evolución del jazz de vanguardia. Este trabajo explora el concepto musical y filosófico de Ornette Coleman , su relación con los estilos de ambos bajos, el de  Charlie Haden y LaFaro Scott, y su aplicación durante la sesión de grabación. El éxito funcional y musical de la improvisación colectiva es considerado, tanto desde la perceptiva histórico-crítica y un punto de vista más contemporáneo, ya que no se ha vuelto a intentar algo similar a través de los años.

59/100 Jimmy Smith 1958 The Sermon!

Insólito, así se puede describir a The Sermon!, ya que es uno de esos clásicos de Jazz que los jazzistas… No Aman!!!! Quesque porque el órgano Hammond B-3 es muy cursi para ejecutar en el Jazz!!!

Para su realización  se rodeó de un elenco de artistas de gran altura: el trompetista Lee Morgan, los saxofonistas George Coleman y Tina Brooks, los guitarristas Kenny Burell y Eddie McFadden y los percusionistas Art Blakey y Donald Bailey.

Cualquiera de estos nombres bastaría para hacer interesante el disco, pero la unión de todos ellos augura uno de esos raros momentos en que la genialidad no era suficiente para que agradara el disco a los críticos.

La pieza que abre el disco, The Sermón! dura veinte minutos de absoluta improvisación en la que Smith lleva la batuta y va alternándose con los solos de todos los músicos, todo ello bajo la dirección del gran Art Blakey.

Sin duda, uno de los más grandes discos de la historia del jazz que nos permite escuchar un instrumento que hoy casi es pieza de museo:

El ‘cursi’ organo Hammond B-3.

60/100 Jaco Pastorius 1976 Jaco Pastorius

La historia del Jazz se encargará de propagar a los cuatro vientos que fue John Francis Anthony Pastorius III (Jaco Pastorius para los cuates) el que introdujo el bajo eléctrico como instrumento principal, demostrando con esto que no necesariamente tenían que ser los instrumentos convencionales para hacer buena música.

Después de su trayectoria con Weather Report, Jaco decide hacer carrera como solista con su inseparable bajo Fender modelo Jazz Bass de 1962, transformándolo en un fretless, el cual era una variedad del bajo hasta el momento poco conocida y utilizada, cuya sonoridad es más similar a la del contrabajo acústico.

Éste a su vez lo perdió en una cascarita de Básquet en las canchas de Nueva York cuando su carrera iba en caída libre una vez que se le fue diagnosticado ser Maniaco Depresivo debido a sus trastornos mentales y su adicción al alcohol.

En 1987 después de intentar sabotear un concierto de Carlos Santana  donde tocaba en ese momento Alphonso Johnson, bajista a quien sustituyó once años atrás en Weather Report; al tratar de intentar sabotear otro concierto el guardia de seguridad inspirado en cualquier policía judicial de México le propinó tremenda madrina lo cual lo postró en estado de coma, fracturas en la cara, daños en el ojo izquierdo y en el brazo izquierdo (Algo leve, pues).

A los pocos días ‘Jaco’ falleció a consecuencia de un derrame cerebral.

También la historia dirá que el que lo privó de la vida, semejante hijodesu  se llamaba Luc Havan, el cual de los cinco años en prisión que le dictaron como sentencia, solo pasó… cuatro meses!!!!! En el país de la democracia y la libertad también suele haber jueces corruptos, no es exclusivo desde Tijuana a Tierra del Fuego.

Su primer obra que apantalló a medio mundo en 1976 con la genial 'Donna Lee' es garantía de calidad

  

Un Genio Bipolar, Jaco Pastorius

61/100 Chick Corea 1972 Return To Forever

Si se pensaba que el Jazz Fusión radicaba en introducir una serie de elementos musicales a través de sintetizadores y-a-ver-que-pasaba-con-ellos, los críticos y escépticos estaban muy equivocados.

Tras el rompimiento de las ataduras que dejó la escuela de Miles Davis y su Bitches Brew, varios músicos ampliaron sus fronteras y expandieron su creatividad.

El increíblemente virtuoso pianista Chick Corea ya había pasado por una exploración de free jazz con su anterior y malogrado experimento que denominó The Circle, bajo la tutela de la Academia de Miles Davis de Nueva Música Eléctrica y la introspección de "improvisaciones de piano" la cual llegó a su concepción en el momento más brillante de su carrera.

Corea y el bajista Stanley Clarke se ganaron el respeto de propios y extraños con el magnífico ‘Return To Forever’; ante los cual para lograrlo contaron con el apoyo en la flauta y el saxo soprano de Joe Farrell en lo que pudo haber sido la actuación de su vida. Mientras que en las vocales aparece Flora Purim lo cual le da un toque de sensualidad y misticismo, además de Airto Moreira en los tambores y percusiones.

Fusión de grado superlativo Chick Corea

62/100 Max Roach & Clifford Brown 1954 Max Roach & Clifford Brown

En 1954 el productor Gene Norman le propuso al baterista Max Roach crear una nueva  banda con él como líder tras su salida de la agrupación de Art Blakey; Roach se acordó de un disco de J.J. Johnson en el que había un joven trompetista llamado Clifford Brown y ahí comenzó una de las asociaciones más proliferas y efímeras en la historia del Jazz.

Ambos fueron los mejores promotores del ‘hard bop’ en los años 50’s; hasta que la fatalidad apareció, con tan solo 25 años de edad Clifford Brown perdió la vida en un accidente automovilístico, finalizando de esta manera una carrera que estaba en su máximo apogeo, dejando su legado para que nosotros nos deleitemos con este trabajo, el cual fue exaltado al Salón de la Fama del Grammy en 1999.

Destacando la sin igual ‘Delilah’ con la colaboración de George Morrow en el Bajo, Harold Land en el Saxofón Tenor y Richie Powell en el Piano lo convierten sin duda alguna en  un disco magnífico.

63/100 Miles Davis 1960 Sketches Of Spain

Hacer una crítica sobre una obra que ha sido desarrollada por diversos artistas, entre los cuales destacan Paco de Lucía, Narciso Yepes en la guitarra o André Rieu con filarmónica sería ahondar sobre la obra más prolífera de Joaquín Rodrigo la multi premiada y multi citada ‘Concierto de Aranjuez’.

Grabado entre noviembre de 1959 y marzo de 1960 en los estudios de la CBS en Nueva York y con la conducción y arreglos de Gil Evans,  Sketches of Spain se grabó en quince sesiones de tres horas cada una. Es decir 45 horas, sin contar las cuatro primeras sesiones en las que Miles estuvo enfermo de gripe. La cara A del disco original contiene el Concierto de Aranjuez y Will o’ the wisp [Canción del fuego fatuo] del ballet El Amor Brujo del también compositor español Manuel de Falla. La segunda cara contiene The Pan piper, Saeta y Soleá

(*) Jon Montdragon, un apuesto bajista de estudio, de origen hispano, tuvo la culpa de que Miles Davis hiciese esta obra maestra con raíces españolas. “En 1959 estuve en Los Ángeles y fui a visitar a un amigo llamado Joe”, cuenta el genio en su interesante autobiografía Miles (de Quincy Troupe). “Cuando fui a su casa puso una grabación del Concierto de Aranjuez, del compositor español Joaquín Rodrigo. Me senté a escuchar diciendo para mí: ‘Maldición, estas líneas melódicas son muy fuertes. Supe allí mismo que tenía que grabar aquella música, porque, simplemente, se me quedó grabada en la conciencia”.

 En seguida Miles Davis habló con Gil Evans, pianista, compositor y arreglista con el que tenía solía trabajar, que quedó igual de cautivado con la pieza. Evans se encerró en las bibliotecas “E investigó exhaustivamente la música española, el flamenco y la vida de los gitanos de España”

En la rueda de prensa de presentación del disco fue cuando Miles dijo aquella famosa frase que ha quedado para la historia y que ahora muchos repiten: 
“El flamenco es el equivalente español a nuestro blues”


(*) Esto me lo fusilé de la Rolling Stone

64/100 Albert Ayler 1964 Spiritual Unity

Puro Free Jazz, estético, exquisito, parecido a un trago de buen tequila, al principio es difícil de digerir, pero posteriormente, las que vengan!

El saxofonista tenor Albert Ayler, el bajista Gary Peacock y el baterista Sunny Murray hacen la última entrega (y la mejor) de su fugaz carrera, sin desentenderse de lo que otros hacían, llegan a una introspección que raya en lo esotérico, en el misticismo.

No es cualquier caos, es un caos ordenado (similar a tu recámara) donde todo tiene un (des) orden y un porque de las cosas, los cuales se complementan con la química que emergió de los tres.

Albert Ayler afirmó:

"No estábamos tocando, estábamos escuchándonos mutuamente"

Peculiaridad donde tres hacen uno, Albert Ayler

65/100 Django Reinhardt 1940 Quintette du hot club de France

Django Reinhardt era un gitano muy pobre que perdió el uso de dos de sus dedos en un incendio accidental a la edad de 18 años. Analfabeto, autodidacta, incapaz de escribir una sola nota o de leer una partitura, era también un hombre con poca disciplina para el estudio, jugador empedernido y juerguista a más no poder.

 Django Reinhardt, no obstante fue un músico extraordinario, lleno de inventiva y creatividad y supo adaptar la música que venía de Estados Unidos a sus habilidades con la guitarra A pesar de sólo ser capaz de usar dos dedos sobre el diapasón, todavía se convirtió en uno de los artistas de jazz más populares de Europa a través de la década de 1930. Cuando la Segunda Guerra Mundial fue declarada, pasó a la clandestinidad en París, y fue capaz de sobrevivir a pesar de la persecución nazi en contra de los gitanos.

Después de la guerra, Reinhardt realiza una gira por Norte América con Duke Ellington , pero más tarde regresó a Europa y buscó un refugio de la vida moderna. Donde ocasionalmente componía e interpretaba en ocasiones hasta su muerte en 1953. Al Lado del violinista Stephane Grapelli hizo de las delicias de muchos entre 1934 y 1940.

En los últimos años ha sido elogiado como uno de los guitarristas más influyentes del siglo XX; el honor fue cedido por una serie de muchachones que a lo largo de los años han sido las delicias para muchos melómanos, tales como un tal Jimi Hendrix y su neblina púrpura, Tommy Iommi del denominado ‘Black Sabbath’ que han aporreado nuestros oídos al lado de un paranoico Ozzy; El que le canta a la mujer de magia negra Carlos Santana, un emergente BB King al lado de una  tal ‘Lucile’ que han desquiciado a más de uno;  son algunos de los muchos otros guitarristas consagrados que se han hablado de su admiración por la habilidad de Reinhardt.

Discutido siempre, y discutida su música ‘El Gitano de los Dedos de Oro’

Django Reinhardt

66/100 Charlie Parker & Dizzie Gillespie 1950 Bird And Diz

En el tiempo que Charlie Parker contaba con la asistencia y simpatía de Norman Grantz se le ocurrió reunir a un grupo de cinco amigos en la sala de grabación los cuales sintetizaban la línea más pura del jazz. Dizzy y Parker inventaron, junto a Thelonius Monk y un pequeño grupo de músicos que se reunían en el Minton's Club de Nueva York, el movimiento a partir del cual el jazz no volvería a ser lo mismo: el bebop.

De hecho, fue el propio Gillespie quien inventó este nombre tratando de imitar el característico fraseo rápido y descontrolado de este movimiento.

Desgraciadamente, lo que podía haber sido una duradera relación entre trompetista y saxofonista, se vio entorpecida por la diferencia de sus personalidades.

Dizzy era sociable, extrovertido, sentía el feeling del Jazz y gozó del éxito toda su vida.

Mientras que Parker descubrió la heroína al mismo tiempo que el saxofón (a los 14 años!!!!!) y, tras un fulgurante éxito inicial, cayó en desgracia. Los últimos años de su vida no dejó de pedir a Gillespie que se uniese a él en una formación pero éste, temeroso de los escándalos a los que su amigo era proclive, se negó rotundamente!

Bebop destilado en una unión suculenta…

67/100 Gil Evans Orchestra 1960 Out Of The Cool

Uno de los casos más raros dentro del Jazz es que Gil Evans sea más recordado por sus aportaciones como arreglista de Miles Davis que como creador de una banda que asimilara sus ideas; en 1960 dejó a medio mundo perplejo ante este álbum donde Evans se hace acompañar de 10 músicos brillantes, dentro de los cuales destacan Johnny Coles, Phil Sunkel (trompeta); Keg Johnson, Jimmy Knepper (trombón); Tony Studd (trombón bajo) ; Bill Barber (tuba); Bob Tricarico (fagot, flauta, piccolo); Ray Beckenstein, Eddie Caine (saxo alto, flauta, piccolo); Budd Johnson (saxo tenor, saxo soprano); Ray Crawford (guitarra); Ron Carter (contrabajo); Charlie Persip, Elvin Jones (batería, percusión) y Gil Evans (piano, arreglos, conducción); amalgamando tanta personalidad el resultado es ‘Out Of The Cool’ donde el gusto y admiración de Evans  por Kurt Weill, queda de manifiesto, hay que escuchar ‘La Nevada’ para entender…

Originalidad, sofisticación y elegancia, Gil Evans