11/100 Eric Dolphy 1964 Out To Lunch!

Eric Dolphy fue uno de los grandes instrumentistas del jazz, un maestro en la composición, un librepensador de la música y un artista absolutamente impredecible.

En pocas ocasiones se ha visto en el jazz una carrera musical tan breve y al mismo tiempo tan fructífera y tan revolucionaria como en el caso de Eric Dolphy. Multiinstrumentista, virtuoso del clarinete bajo, un instrumento en desuso en su época y que actualmente está recuperado para el jazz; flautista de excepcional calidad, Dolphy, en apenas seis años se situó a la vanguardia  de la renovación del jazz de los años sesenta y es una pieza clave e indiscutible del jazz moderno.

Fue precisamente cuando se compró su primera flauta en 1950 cuando Dolphy, amplió su panorama estilístico, reducido hasta entonces al clarinete y al saxo alto tras la senda de la influencia dejada por Charlie Parker. Su debut como líder fue diez años mas tarde, en 1960, cuando grabó un original disco titulado "Outward Bound" en quinteto con Freddie Hubbard y Jaki Byard. Ese mismo año participó en la impresionante experiencia de improvisación que bajo la dirección de Ornette Coleman, se llamó "Free Jazz (58/100)".

Su paso por el quinteto de su camarada y amigo, Charles Mingus, dejó una huella imborrable en el jazz en forma de material grabado, y este disco es su última grabación en estudio y constituye probablemente su trabajo más representativo.

Cuando Eric Dolphy grabó "Out to Lunch!" tenía tan sólo 35 años y aunque ya estaba enfermo, la vitalidad, la fuerza que emanaba de su música, no evidenciaba que su final estaba cerca. Grabado para "Blue Note" en una típica producción de jazz de Avantgarde de la época, Dolphy acierta también en la elección de los músicos: Freddie Hubbard (trompeta) Bobby Hutcherson (vibrafono) Richard Davis (bajo) Tony Williams (batería) donde  alcanza su más alta cota de inspiración, y dado que estaba sobrado de técnica y talento, el resultado final fue explosivo.

Paradójicamente, Dolphy manifestaba al final de las notas originales de la contraportada su intención de vivir en Europa con la idea de buscar mas espacio para su música, pero la muerte le sorprendió en Berlín Alemania el 29 de junio de 1964 cuando su arte estaba en plena madurez debido a un coma diabético.

"....Dolphy era uno de los músicos mas grandes que he conocido"

Esta frase, dicha por John Coltrane cuando conoció la muerte de Eric Dolphy, deja las cosas en sus sitio y confirma lo que en los círculos jazzisticos era una constante, Dolphy fue un grande.

Tal era la relación de Dolphy con Coltrane, que su madre, cuando Eric murió, le regaló su flauta, ese instrumento que tocaba como nadie lo había hecho en el jazz hasta entonces, ni tampoco después de su muerte.

12/100 Louis Armstrong 1929 25 Greatest Hot Fives & Hot Sevens

Uno de los músicos más influyentes en la historia de la música durante el Siglo XX es sin duda alguna Louis Daniel Armstrong; la capacidad para tocar e improvisar esa parte más de su cuerpo en que se convirtió la trompeta es de elogiarse.

Nacido en New Orleáns en 1901 en el seno de una familia muy pobre (sus abuelos fueron esclavos en campos algodoneros) con la ausencia de su padre y ante la enorme precariedad en que vivían, se especula que su afición a la música se debe la cantidad de músicos líricos que habitaban en esa zona, y a través del canto expresaban sus pesares y sus penurias por las que atravesaban.

Aprendió, en primer lugar, a tocar la corneta en la banda de la New Orleans Home for Colored Waifs, un reformatorio para niños negros abandonados a donde había sido enviado en varias ocasiones por delitos menores, como por ejemplo el haber disparado al aire durante una noche previa al año nuevo.

Trabajó como vendedor de carbón, repartidor de leche, estibador de barcos bananeros y otros empleos del mismo tipo hasta que conoce al cornetista Joe King Oliver en los cabarets de poca monta, quien fue su mentor y casi una figura paternal para él.

Tuvo el privilegio de entrar a lugares donde la raza negra estaba prohibida. Apoyó monetariamente a Martín Luther King en su cruzada por los derechos de la raza negra.

Durante su larga carrera, tocó y cantó con los más importantes instrumentalistas y vocalistas; entre ellos, con Jimmie Rodgers, Bing Crosby, Duke Ellington, Fletcher Henderson, Bessie Smith y, especialmente, con Ella Fitzgerald.

Por la manera de emboquillar la trompeta se  le conoció como ‘Satchmo’, abreviación de ‘Satchelmouth’ (boca de bolsa); Percy Brooks, editor de la revista Melody Maker saludó a Louis de esa manera y fue todo un éxito.

En sus primeros años, Armstrong era conocido sobre todo por su virtuosismo con la corneta y la trompeta. Su mejor sonido trompetístico se puede escuchar en éste álbum la cual es una recopilación del 5 de marzo 1929 al 5 de abril de 1930. Las improvisaciones que hizo en aquellas grabaciones sobre estándares del jazz de New Orleans y sobre otras canciones populares del momento, han resistido perfectamente el paso del tiempo hasta el punto de soportar la comparación con cualquiera de las hechas por otros intérpretes posteriores. ‘Muggles’ canción dedicada al enervante que fue su adicción durante muchos años, la marihuana. Pero escucharlo cantar ‘St. James Infirmary Blues’ es de antología.

La carrera de ‘Satchmo’ fue tan prolífica que hasta la fecha siguen apareciendo recopilaciones de su trabajo, por eso es que no existe una discografía como tal.

Pero su legado ha trascendido, a tal grado que la ‘Melancholy Blues’, fue incluida en el Voyager Golden Record y enviada al espacio como representante de los más grandes logros de la humanidad.

13/100 Bill Evans Trio 1961 Waltz For Debby

Considerado como uno de los tres mejores pianistas en la historia del Jazz, genera en este álbum el tapestry clásico que deleita a los oídos.

Este es el cuarto álbum y último de uno de los grupos más influyentes en la historia del jazz, una unidad que redefinió el concepto de trío con piano.

En Sunday At The Village Vanguard (26/100) se comentó acerca de la fatídica muerte de Scott La Faro; así que nos centraremos en comentar que éste álbum resume el nivel de interacción creativa que hizo que el trío de Bill Evans fuese un un presagio de las posibilidades del jazz en las próximas décadas.

Evans, LaFaro, y Paul Motian tocan con la libertad que asombra en estas actuaciones, el mantenimiento de todos sus acordes y ejecuciones. Al mismo tiempo un equilibrio muy agudo y un penetrante sentido de la belleza musical que destila cada uno de ellos.

El flujo de ritmos y estados de ánimo quedan de relieve en la profundidad del concepto del trío, un hechizo que permanece incólume a unos 50 años más tarde.

Grabado en vivo en Nueva York con una audiencia selecta, de la cual, también uno forma parte de ella... 

Gusta usted una copa?

14/100 Keith Jarrett 1975 The Köln Concert

Cuando uno lo escucha por primera vez, queda uno absorto, impávido, deliciosamente estúpido; la gente que se congregó en el Opera Haus en Colonia, Alemania, fueron testigos de la más grande improvisación en la historia del Jazz de la que pudo haber sido objeto.

Un milagro se generó ahí, todo un arte efímero, irrepetible. Keith se lamenta, gime, suspira, canta, llora; su piano conmueve, lo aporrea, lo acaricia; el alma se nutre de escuchar semejante belleza.

Todo fue espontáneo, etéreo; solamente cerró sus ojos y tocó, lo que siguió fue mágico. No son cuatro canciones en si, es un sólo concierto que nutre los sentimientos.

Desde la primera vez que lo escuché me enamoré de este piano, por más está decir, que es uno de mis favoritos...

Sin tanto preámbulo…

15/100 Ornette Coleman 1959 The Shape Of Jazz To Come

Sin duda alguna un disco que se adelantó por mucho a su época; el inicio del free en el Jazz. Por esta razón fue discriminado, por ser un revolucionario, por transgredir las reglas elementales y abrir una nueva vertiente en el género. Fue un acontecimiento decisivo en la génesis del jazz Avantgarde, profundamente dirigido en su curso futuro que algunos todavía no han llegado a controlar.
El principal avance de este álbum es la idea de los acordes implícitos. En lugar de colocar una cuerda convencional en cada nota, Coleman elige en lugar de implicar sólo la existencia de la cuerda y, al hacerlo, deja abierta muchas melodías distintas posibles para improvisar. Si bien esto al parecer podría invitar a la disonancia caótica en el marco de un cuarteto, la banda toca con fluidez en todas partes. Cada pista está llena de melodías sencillas, que no es algo que se podría decir que para los álbumes de Coleman.
Además, esta era la primera vez que Coleman grabó con una sección rítmica, el bajista Charlie Haden y el baterista Billy Higgins.
Junto con otros álbumes emblemáticos del jazz publicado en 1959 (Giant Steps, Kind of Blue, Time Out, etc) esto es vital para la colección del oyente casual y el disco de un Coleman que recomendaría incluso a un novato Jazzista. Al mismo tiempo, si usted es un fan consumado  (Coltrane, Davis, Dolphy) aquí es donde empezó todo, así que a disfrutar.

16/100 Wayne Shorter 1964 Speak No Evil

Bajo la influencia de Davis y Coltrane, Shorter experimenta nuevos rumbos en el Jazz; a tal grado que muchos aseguran que el Jazz Fusion inició con éste álbum.

El 24 de diciembre de 1963 Wayne Shorter impacta al mundo Jazzístico al lanzar éste álbum con una de las mejores bandas, El trompetista Freddie Hubbard , el pianista Herbie Hancock, el bajista Ron Carter , y el baterista Elvin Jones los cuales inician una nuevo estilo en el Jazz, aunado a la tesitura y calidad de Wayne para tocar el saxofón, después de haber tocado para Art Blakey And The Jazz Messengers  es el primer trabajo que realizó para Blue Note y que se tuvo que codear entre tantos grandes para salir avante y posteriormente ser reconocido como el Padre fundador del mega-grupo ‘Weather Report’

Destacan de manera muy particular ‘Dance Cadaverous’ ya que considero que es una de las mejores maneras de entender el extraordinario trabajo que hicieron estos cinco músicos, es una mezcla entre el hard bop, el cool, el fusión, es una joya que hay que escuchar con mucha atención; pero la que se cuece aparte, además de que me conmovió desde la primera ocasión que la escuché es ‘Infant Eyes’ (Que Rola…)

La portada del disco muestra a Teruka Nakagami, la primera mujer de Shorter a quien conoció en 1961 y con quién tuvo una niña llamada Miyako

Calidad para atesorar, Wayne Shorter

17/100 Lee Morgan 1963 The Sidewinder

Con tan solo 14 años de edad Lee Morgan recibió como regalo de su padre una trompeta, a tal grado que al desarrollar sus habilidades, rápidamente fue descubierto por Dizzie Gillespie y anexado a su banda a los 18. En el año del señor de 1957 y con una carrera fugaz participa con John Coltrane en el celebérrimo Blue Train, para el siguiente año se une a los Jazz Messengers de Art Blakey donde colabora en otro álbum célebre, Moanin’.

Es entonces que en el año de 1963 con tan sólo 25 años de edad graba ‘The Sidewinder’ en el estudio Van Gelder en Englewood New Jersey.

En esta grabación, Morgan estuvo acompañado por Joe Henderson al saxo tenor, Barry Harris al piano, Bob Cranshaw al contrabajo, y Billy Higgins a la batería.

Dos noticias tuvo Lee Morgan cuando realizó éste trabajo de excelente manufactura, una buena y una mala:

La buena: El álbum se convirtió un fenómeno de ventas debido a la calidad y el ritmo que en el se imprime

La Mala: Pulverizó por completo la carrera de Lee Morgan ya que jamás volvió a generar un disco que superara a este.

Sin más que hacer durante lo que le restaba de vida, sino vivir del éxito (y de las regalías) que el álbum había tenido, presentándose esporádicamente en clubes de Jazz; en 1972 al salir de tocar en un club, su mujer Helen More, de la cual se acababa de separar le sorprende con otra (A poco sucede eso?). Tras una discusión, ésta dispara contra Lee Morgan acabando con su vida a los 33 años de edad.

Es considerado el músico más representativo del Hard Bop y uno de los trompetistas más creativos de la segunda mitad de siglo.

18/100 John Coltrane 1957 Blue Train

Una vez que Miles Davis se cansó de los excesos y el constante abuso de drogas de su primogénito músical, lo cual desencadenó en un pleito de comadres entre ambos y la obvia salida de Coltrane de la banda de Davis; este es el segundo trabajo del genial ‘Trane’ Post-Davis, el primero que se le adjudica con composiciones de su autoría, exceptuando ‘I’m Old Fashioned’ la cual compuso Jerome Kern y Johnny Mercer, y el único álbum que grabó para el sello Blue Note.

En este encontramos a un John maduro, sobrio, capaz de dirigir a su propia orquesta (además de su creciente y necesaria adiccción a la heroína) y donde se  hace acompañar de: Lee Morgan (Trompeta), Philly Joe Jones (Batería), Paul Chambers (Contrabajo), Kenny Drew (Piano) y Curtis Fuller (Trombón).

Blue Train es una de esas grabaciones infaltables para entender la evolución del Jazz en el Siglo XX y que parece captar el momento más importante en la carrera de John Coltrane. 

Un álbum memorable del magistral ‘Trane’, ya que además la portada es en honor al mivimiento Avantgarde de Pablo Picasso y su obra 'Periódo Azul'

19/100 Stan Getz & Joao Gilberto 1963 Getz/Gilberto

Quizá el segundo álbum que catapultó la carrera de Stan Getz, en la fiebre del Bossa Nova  que asolaba el mundo en los años 60. Y como no va a ser posible esto, si de las canciones de Jazz más conocidas y re-conocidas en la historia, escuchada hasta la saciedad, interpretada por ‘n’ personalidades, Frank Sinatra (La Voz), Nat King Cole, Cher (putísima madre!), Herp Albert y demás. Nos referimos a la canción que todo mundo se sabe ‘A Garota de Ipanema’ o lo que la versión anglo la llamó ‘The Girl From Ipanema’. Compuesta originalmente por Antonio-Carlos Jobim en el arreglo musical y Vinícius de Moraes en la letra, curiosamente el primer nombre era ‘Menina que passa’ en honor de la musa inspiradora Heloísa Envida Menezes Paes Pinto (Helô Pinheiro para los cuates) ya que todos los días pasaba puntualmente en las tardes enfrente del Bar Veloso en dirección a la playa.

Norman Gilbert tiene la ocurrencia de traducirla al inglés y la grabación de Astrud Gilberto, João Gilberto, Antonio-Carlos Jobim y Stan Getz la convirtieron en un éxito hasta el hartazgo. De las demás canciónes sobresalen Doralice y Corcovado

(Y hasta ahí)

Y quién no ha escuchado a la 'Garotinha de Ipanema'?

20/100 Miles Davis 1969 Bitches Brew

Desde sus inicios a finales del siglo XIX, el Jazz siempre se ha fusionado con varios ritmos, se desarrolla de manera libre, siempre cambiante; tomando como base el blues, el gospel, los ritmos afros provenientes de los estados separatistas de los Estados Unidos que a través de su música contaban sus penas y sus lamentos. Así es el jazz un crisol donde se funden los más diversos estilos y emociones que atesoran los sentidos. De manera más evidente y ante la evolución que todo ritmo debe de tener el Jazz tuvo una nueva corriente, el Jazz Fusion.

Cuando este surge, Miles Davis da la nota con ‘Bitches Brew’

Que le pasó a Miles Davis? Preguntaron algunos; -Se ha alejado del Jazz! Busca parecerse al Electric Ladyland de Hendix! aseguraron otros; un disco denso, pesado, al cual se le introdujeron sonidos eléctricos, difícil de digerir a la primera; sus detractores lo aniquilaron, siempre innovador, este álbum es el resultado de la combinación de ideas que venía forjando de años y de una abrupta ruptura con su pasado. Davis ya había usado teclados eléctricos y guitarras y ritmos rockeros como también post producciones en el estudio (In a Silent Way).

En ‘Bitches Brew’ usa todos estos elementos y crea un álbum de improvisaciones. En lugar de preocuparse por crear armonías sofisticadas o experimentos estructurales, Miles enfoca la obra en simples melodías sobre repetitivos e hipnóticos acompañamientos rítmicos.

La obra homónima dura la friolera de 26:59 en donde dos baterías y dos contrabajistas marcan un ritmo concentrado, dándole espacio a Miles para que cree un solo maravilloso, para variar y fiel a su costumbre el tema lo habían ensayado la noche anterior y fue el primero en grabarse, donde ilustra la manera en que Davis dirige e influencia a los músicos mientras improvisan. Las mentes creadoras que acompañaron a esta joya son: Wayne Shorter (Sax Soprano), Bennie Maupin (Clarinete), Chick Corea, Joe Zawinul y Larry Young (piano eléctrico), John McLaughlin (Guitarra eléctrica), Dave Holland (Contrabajo), Harvey Brooks (Bajo eléctrico), Jack DeJohnette, Lenny White y Don Alias (Baterías) y Juma Santos (Percusión).

En su autobiografía Miles relata:

"Yo conducía, como un director de orquesta, cuando empezamos a tocar, y escribía un trozo de música para alguien o le indicaba que tocara cosas diferentes que yo oía mientras la música crecía y se transformaba. Las sesiones de grabación fueron un proceso del desarrollo creativo, una composición viva. Como una fuga, o un motif, al que todos reaccionábamos. Después que llegaba hasta cierto punto, le pedía a un músico que tocara algo diferente".

Con Bitches Brew, Miles agregó a su público hordas de fans del rock, pero también perdió el apoyo de sus fieles seguidores los cuales se alejaron de el. El nuevo vocabulario musical e instrumentación electrónica que Davis introdujo no les interesó y lo abandonaron de manera permanente.

21/100 Charlie Parker 1948 The Best Of The Complete Savoy & Dial Studio

En su breve carrera, Charlie Parker transformó el jazz, de una manera espontánea, ampliando la gama armónica y rítmica de la música en sus improvisaciones con fluidez. Sólo Louis Armstrong y John Coltrane han tenido tan dramática influencia sobre otros músicos. En términos magistrales es considerado como uno de los más grandes saxofonistas de todos los tiempos, ya que fue crucial en el desarrollo del movimiento Bebop.

En esta antología destaca la participación de artistas (que artistas ni que la…) Luminarias! 

Entre ellos: Dizzie Gillespie, Howard McGhee y un mozalbete que apenas comenzaba su carrera el cual respondía al apelativo de Miles Davis (trompeta); Sadik Hakim, Duke Jordan, Dodo Marmossa y Erroll Garner (Piano); Lucky Thompson y Wardell Gray  (saxo tenor); Don Lamond, Doc West y el inseparable Max Roach (batería), y demás.

 Muchas de sus composiciones se han convertido en estándares, entre ellos "Billie Bounce", "Ornithology" y "Parker’s Mood” (la cual es verdaderamente exquisita, ante esto Sadao Watanabe hace una interpretación por demás magistral! Obvio, sin faltar la improvisación).

Dos de sus albums, el ‘Jazz at Massey Hall’ y ‘Charlie Parker with Strings’, recibieron el Grammy Hall of Fame Award.

Su forma de tocar fue muy aclamada durante su vida, aunque sus actuaciones fueron muchas, de vez en cuando, obstaculizado por sus adicciones en crecimiento, principalmente al alcohol y la heroína. Debido a esto tuvo un ataque cerebral y seis meses de confinamiento en el Camarillo State Hospital.

Paradójicamente en 1951, su licencia de cabaret le fue revocada en Nueva York, lo que le dificultaba tocar en clubes. Sus problemas con las drogas se agudizaron y, aunque podía seguir tocando de forma inspirada (como lo demuestra su grabación de 1953 en el Concierto en el Massey Hall en Canadá con Dizzy Gillespie, Bud Powell, Max Roach y Charles Mingus), su carrera entró en declive.

En 1954, con la muerte de una hija por carecer de dinero para una adecuada atención de una neumonía, protagonizó dos intentos de suicidio, y finalmente, murió en marzo de 1955 a los 34 años como consecuencia de una neumonía y una úlcera sangrante.

Un gran improvisador, el cual debe de ser cuando se ejecuta Jazz, Charlie Parker

22/100 Horace Silver Quintet 1964 Song For My Father

Una visita a Brasil, despertó el interés de Horace Silver en sus raíces portuguesas la cual lo condujo a la magnífica "Song For My Father", su composición más duradera de toda la historia, por esta razón la portada del álbum muestra una fotografía del padre de Silver, Juan Tavares Silver.

Con ‘Cantiga Para Meu Pai’ Horace Silver se destaca como un pionero del estilo hard-bop, que combina el gospel y R & B con el jazz teniendo a su lado lo que es considerado el mejor grupo posible que ha podido haber en la historia, Carmell Jones y Blue Mitchell en la trompeta, Junior Cook en el saxofón tenor, Gene Taylor en el bajo, Roy Brooks en la batería y por supuesto Silver en el piano.

Sin duda alguna el mejor álbum en la carrera de Horace Silver al dejar el crédito en la ejecución a sus acompañantes; mientras el se mantiene en un segundo plano armonizando, llevando de la mano este extraordinario álbum el cual no roza la excelencia, es la pura excelencia misma.

23/100 Oliver Nelson 1961 The Blues And The Abstract Truth

Verdad abstracta en cada fraseo, en cada solo, en cada nota; en cada momento de una audición necesaria.

Se suele especular que el valor de este álbum es exclusivamente por ‘Stolen Moments’ debido a que Oliver Nelson realizó música para programas por demás infames de la TV (La mujer biónica, ‘The Six Millions Dollar Man’ [El hombre nuclear], Columbo, entre otros)

Habría que revisar primeramente las estrellas que participaron en este álbum para recrear una visión más allá de lo magnífico que resultó. El pianista Bill Evans , el bajista Paul Chambers , el trompetista Freddie Hubbard , el multi virtuoso Eric Dolphy y el batería Roy Haynes, un elenco que destilaba calidad y maestría. Si el tema que abre el trabajo de este colectivo de músicos merece todos los elogios, al unir el atractivo del blues y la generación de un palpitante swing, no debe ser a costa del menosprecio del resto de las composiciones que particularmente considero excepcionales. Si bien es cierto que ‘Stolen Moments’ es la canción más publicitada del álbum, parecería que no han escuchado con detenimiento dentro de esta obra de 36:32 a la genial ‘Yearnin’.

La grandeza de este trabajo es único, es una obra maestra absoluta, incontenible, atemporal, repleto de poderosas reflexiones estéticas que giran alrededor del Blues, abstrayendo el significado del mismo, elevándolo y volviéndolo a recomponer en estado puro. Es curioso que todos los músicos fueran dioses consagrados del jazz, todos excepto el propio Oliver Nelson, sin embargo fue capaz de liderar a este grupazo y extraer lo mejor de cada uno de ellos

Un Hito en la historia, Oliver Nelson

24/100 Duke Ellington 1956 Ellington At Newport

La carrera del ‘Duke’ iba en franco descenso, había que hacer algo para evitar que se colapsara de manera inminente.

En la década de 1950 hubo un envejecimiento en la orquesta de  Duke Ellington; se aseguraba que el se hundía rápidamente en las siempre cambiantes ramas de la música popular.

La aparición del Bebop, el Cool Jazz, y el  Rock and Roll habían hecho que los grandes estilos de la banda de Ellington parecieran anticuados, los músicos jóvenes lo despreciaban ya que no era ‘cool’; la crítica lo despedazaba y su fiel público de antaño ya no lo idolatraba como antes.

Tenía que haber un evento descomunal que revitalizara su imagen en la estela del Jazz, y ese fue el Festival de Jazz de Newport de 1956 el que le dio a Ellington su oportunidad de redimirse, y él se aprovechó de la casualidad que la vida le presentaba.

El resultado: El mundo del jazz se rindió a sus pies.

Ellington tuvo una actuación magistral que asombró a los críticos y músicos por igual, transmitiendo a una audiencia de 7000 almas un frenesí desenfrenado al combinar hábilmente las versiones rejuvenecidas de normas jazzísticas antiguas con material nuevo.

Y es que, en el momento que aparece la sensacional y excepcional ‘Diminuendo And Crescendo In Blue’ con la que materialmente la sala se desquició por completo, tanto,  que la gente comenzó a bailar entre los pasillos, en las butacas, donde hubiera un espacio, un verdadero pandemonium! Iniciando este con una escultural rubia enfundada en vestido negro de noche de la cual solo se sabe que se llamaba Elaine Anderson.

El solo de saxofón de Paul Gonsalves será recordado como la más grande improvisación en vivo, con tan solo, haberla ensayado un par de veces, previo al concierto, y que alcanza un montaje supremo superior a los ¡Siete minutos! Y ese Piano! Hay que deleitarse…

De esta manera Ellington montó las salvajes corrientes de sus detractores y  demás ritmos musicales que habían estado amenazando con ahogarlo, con opacarlo, y este a su vez lo canaliza en un furioso torrente que barrió con la crítica, el desprecio, las burlas y la indiferencia que había soportado durante la mayor parte de la década de 1950.

No hay mejor manera de comenzar a amar al ‘Duke’ desde una mirada más profunda en el alma del más grande compositor de Estados Unidos en su momento crucial de profunda desesperación y el triunfo supremo que lo inmortalizó.

¡Genial el Duke!

25/ 100 Wes Montgomery 1960 The Incredible Jazz Guitar

John Leslie Montgomery ‘Wes Montgomery’ fue uno de los grandes guitarristas de jazz,  cuyo atractivo fue su formación autodidacta, tocó con su dedo pulgar para producir un tono de voz suave y profundo. Sus firmas son un sentido relajado de giro en cualquier tempo, y  sus solos interesantes que cuentan con su innovador uso de octavas y acordes, en el uso de las octavas se convirtieron en su mayor influencia y su marca registrada. 

Montgomery comenzó a tocar la guitarra en su adolescencia al lado de la Banda de Lionel Hampton en 1948-50 y en Indianápolis durante la década de 1950, en su mayoría con sus hermanos Buddy (piano, vibráfono) y Monk (bajo eléctrico).

En California a finales de 1950, apareció con ellos en The Mastersounds y luego como los Montgomery Brothers (1960-61).

Por problemas de dinero, Wes dejó la banda de Hampton y regresó a Indianápolis.

Junto con su esposa Serena procreó a 7 hijos!!! Posteriormente regresó a su horario de trabajo riguroso, como no tenía mucho de donde escoger, lo emplean en una fábrica de radiopartes durante el día, a menudo tocando en un club en la noche. Muchos sugieren que este semi-retiro en el que se había sumido es lo que llevó a su ataque al corazón en 1968, cuando sólo tenía 43 años de edad (Un Auténtico Mozuelo!!!!)

Por encima de todo, Wes Montgomery, tenía oídos fantásticos. Él fue capaz de organizar las líneas, ritmos, armonías y texturas que siempre suena relajado, independientemente del tempo.

Con éste álbum, la guitarra obtuvo un lugar en el Jazz; de la cual  solamente el fue capaz de generar una dimensión distinta, mística, acogedora...

Formando parte del instrumento mismo.

26/100 Bill Evans Trio 1961 Sunday at Village Vanguard

Estamos ante quizá uno de los álbumes esenciales y obligatorios en la historia del Jazz; Chick Corea asegura que después de escucharlo tuvo una gran influencia en su carrera.

Grabado el 25 de Junio de 1961 en el Village Vanguard tiene una parte difícil; diez días después de la actuación el bajista Scott La Faro falleció en un accidente automovilístico a la edad de 25 años, una pérdida irreparable. Evans por esa razón añadió al álbum 'Feat Scott La Faro'

Esta unidad es poco documentadas debido a Evans, un perfeccionista notorio, un aferrado a sus ideas sobre, tiempo, y forma de la música, el cual se mostró reacio a grabar. El intercambio entre Evans en el piano, LaFaro en el bajo y Paul Motian a la batería, es de ballet en un equilibrio de belleza emocional y precisión técnica.

La tragedia de Rocco Scott LaFaro se puede resumir de la siguiente manera: había tocado el bajo tan sólo 6 años antes de morir, ya que por una lesión en la muñeca de la mano derecha no podía seguir ejecutando el saxofón; sin embargo, tuvo un gran impacto en su ‘nuevo’ instrumento y en toda la historia del jazz. No fue aficionado a las drogas o el alcohol, como tantas estrellas jóvenes brillantes.

LaFaro murió en un accidente de coche en Flint, Nueva York, en 1961, dos días después de haber acompañado a Stan Getz en el Festival de Jazz de Newport y tan sólo diez días después de haber grabado en vivo esta obra maestra.

Murió justo cuando estaba creciendo y madurando y su contribución fue ser reconocido como un grande de todos los tiempos.

27/100 Billie Holiday 1944 Lady Day

La vida de Eleanora Fagan Cough, nombre verdadero de Billie Holiday; estuvo  marcada por la desgracia; violación, alcohol, drogas, racismo, cárcel, inhabilitación para cantar y por último la muerte.

Antes de Billie Holiday, los cantantes de pop y jazz eran actores, con emociones en sus canciones desde una perspectiva imaginativa. Los únicos que gozaban de reputación eran los cantantes de blues, ya que eran los únicos considerados para ‘relatar’ sus vivencias y sentimientos a través de la música.

Holiday cambió todo eso, reuniendo una amalgama memorable de técnica infalible, el espíritu indudable, y lo que vendría a ser llamado "alma".

Cantó con la orquesta de Count Basie, Artie Shaw y Louis Armstrong; de las primeras féminas en incursionar profesionalmente en el Jazz, dueña de una voz privilegiada y con mucho sentimiento jazzístico, convirtiéndose en una de las cantantes negras de mayor reputación. Sin embargo tenía prohibido usar la entrada principal y debía esperar en un cuarto oscuro lejos del público antes de aparecer en escena.

Holiday fue aficionada a las drogas psicoactivas, usándolas durante casi toda su vida. Fumaba marihuana desde los doce o trece años de edad. Sin embargo fue la heroína la que la destruyó. No está claro quién fue el que introdujo a Holiday en las drogas, pero historiadores y fuentes contemporáneas coinciden en que comenzó su uso abusivo de intravenosas alrededor de 1940.

Fue arrestada por posesión de heroína y estuvo ocho meses en prisión. Su tarjeta para trabajar en los clubs de Nueva York (la New York City cabaret card) fue revocada, lo que imposibilitó que trabajara en clubes durante los últimos doce años de su vida. Posteriormente fue víctima de una estafa sobre sus ganancias y murió con tan solo $0.70 en el banco y $750 en efectivo. Al final de mayo de 1959 fue hospitalizada por dolor en el hígado y problemas de corazón. Fue condenada a arresto domiciliario el 12 de julio por posesión de narcóticos; en 1959, la adicción a los narcóticos era considerada un crimen

Su muerte pareció una cruel burla del destino; moribunda e inconsciente en la cama del hospital, la policía intentó esposarla acusada de consumir heroína mientras agonizaba.

Junto con Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald, está considerada entre las más importantes e influyentes voces femeninas del jazz.

28/100 Charles Mingus 1963 Black Saint And The Sinner Lady

Un monstruo absoluto del jazz, así es ‘Black Saint And The Sinner Lady’ bellamente diseñado por el compositor / bajista Charles Mingus

Mientras lo complementa con los cambios de humor monumentales que experimenta a partir de una gran impotencia desesperada y urgente que tiene sobre su vida, surge una belleza de obra.

Mingus aquí lo externa como su mágnum opus, y en el cual implica la inclusión de las  notas de su psicólogo que lo atendía, producto de una neurosis obsesivo-compulsiva (la modernidad lo llamaría bipolar), mientras el lo asume como un examen de su propia psique torturada, es una obra conceptual sobre el amor, la lucha y los demonios que atormentan su alma . No hace falta ser capaz de seguir la línea de la historia para conocer el sufrimiento, el luto, la frustración y la furia enjaulada saliendo de la música.

Es difícil describir lo importante que es el álbum, pero definitivamente vale la pena escuchar, incluso para los no aficionados al Jazz.

El álbum es a menudo considerado como uno de los mejores de todos los tiempos. Considerado por algunos, mejor que el 'Mingus Ah Um'; un disco que destaca por su versatilidad y belleza; aunado a un Mingus en la plenitud de su carrera; el nombre del álbum deriva de una exclamación que hizo Jerome Richardson acerca de la blusa que portaba la esposa de Mingus...

"Es un pecado vestir una blusa tan horrible"

29/100 Ella Fitzgerald & Louis Armstrong 1956 Ella & Louis

Que argumentos puede uno esgrimir ante la única que merece ser llamada 'La Diva', ‘La primer Dama de la Canción’ Ella Fitzgerald, acompañada del ícono por excelencia del Jazz Louis 'Satchmo' Armstrong en un dueto de antología que merece que uno se ponga de pie y aplauda ante tan genial ejecución de voz, sonido y sentimiento que sin duda alguna hacen de este álbum un clásico que causa estremecimiento al escucharlo.

Estoy seguro de que hay pocos duetos de cualquier género musical, con independencia de los artistas, que difícilmente puedan igualar la química-mágia que estos dos artistas exhiben en estas pistas maravillosas.

Podría estar equivocado, pero creo que gran parte del encanto de este álbum se debe a la musicalidad total de Louis Armstrong, una personalidad gigante que probablemente podría hacer un dueto con nadie y al mismo tiempo sólo con Ella.

No hay escasez de adjetivos para describir esta extraña pareja y es que el contraste único entre sus estilos vocales aludido con su talento y la manera que interactúan y  comparten sus virtudes lo que les ayudan a crear lo que sólo puede ser visto como encantamiento puro.

‘They Can´t Take That Away From Me’ es de una tesitura cachondísima, pero ‘Tenderly’ es multiorgásmica!!!!

30/100 Weather Report 1977 Heavy Weather

Weather Report fue una banda de jazz fusión influyente de los años 1970 y 1980. Junto con Return to Forever, Mahavishnu Orchestra y los Headhunters de Herbie Hancock, son la más clara representación del Jazz Fusión en la década de 1970. Este banda tenía un poder perdurable, ya que estuvieron activos durante más de quince años.

La banda fue originalmente un spin-off del grupo de los músicos asociados con Miles Davis en los años sesenta y principios de los setenta. El núcleo estable del grupo fue el dúo del pianista / líder Joe Zawinul y el saxofonista Wayne Shorter, mientras que los otros músicos fueron rotados con casi todos los discos.

Inicialmente, la música de la banda contó con la ReedMan Wayne Shorter promovido en su trabajo pionero en saxo soprano y ambos Zawinul y Miroslav Vitous el bajista original, experimentaron con los efectos electrónicos de los guitarristas de rock, Zawinul en piano eléctrico y órgano, Vitous en contrabajo, y a menudo se inclinó, como una segunda voz.

Entre los notables músicos que pasan a través de filas Weather Report fue la el extraordinario bajista Jaco Pastorius, quien se unió en 1976. Pastorius estuvo presente de una manera formidable en 1977 "Heavy Weather" y "Mr. Gone "

El grupo fue inusual e innovador en el abandono de la actuación solista de sus integrantes, y en su lugar la improvisación continúa de todos los miembros de la banda. También fueron pioneros con sus incursiones en lo que ahora se llama World Music.

El álbum característico y de mayor calidad donde el Jazz Fusión entreteje una serie de eventos y características sin iguales, quién más pudo ser parte de este excepcional álbum?

Por supuesto que el maestro Jaco Pastorius.