Frank Sinatra & Duke Ellington 1968 Francis A. & Edward K.

Conjunción sencillamente ideal, por una parte ‘La Voz’ festejando su cumpleaños 52, por otra parte, Duke Ellington con la mejor banda que pudo haber tenido; el resultado es de antología. La orquesta de Ellington se extiende en un estilo único como ningún otro, Frankie  realmente sobresale en esta sesión con una madurez vocal más que evidente alcanzando los más altos niveles de ser el ‘cantante de cantantes’ que quedan de manifiesto en todas las canciones. Esta colaboración entre el icono del canto más popular de los Estados Unidos y el compositor de jazz preeminente sigue siendo uno de los álbumes de Reprise más agradables de Sinatra, este disco supuso una vuelta hacia terrenos más clásicos, tras la inmersión en el POP! que Sinatra realizó en trabajos anteriores.

Por otra parte la orquesta de Ellington se extiende en un estilo que solamente la madurez de tantos años puede alcanzar, con la sección de metales de cinco hombres (encabezada por el trompetista Cootie Williams y el saxofonista Johnny Hodges)

Sunny es verdaderamente deliciosa en la voz del gran Frank Sinatra

Ella Fitzgerald 1960 Mack The Knife [Ella in Berlin]

Concierto que pasó a la historia como uno de los mejores que dió la única que merece ser llamada 'La Primera Dama  de la canción'

Sin más que decir y en lo que termino de descifrar este embrollo informático en el que me metí

John Coltrane 1962 Coltrane!

Que es lo que atrae de Coltrane? Por que una y otra vez se recurre al gran hombre? Será acaso su profundidad y misticismo que imprime en cada uno de sus trabajos lo que atrapa?

Sin duda alguna esto raya en lo divino.

La bóveda se abre y se revelan nuevos tesoros. Los fans de Coltrane se regocijan, los nuevos se asombran.

Esta fue la primera grabación del "cuarteto clásico" para Impulse y revela una profundidad oceánica y un brillo luminoso raramente experimentado en el jazz. La fidelidad es excelente para 1960, mucho mejor que las anteriores grabaciones de Atlántic que Trane hizo. Este trabajo es el punto medio entre el inconmensurable ‘Óle Coltrane’ y el ‘Impressions’

No se puede absorber suficiente de este grupo. No se desgastan; Mientras tanto, el bajista Jimmy Garrison , el baterista Elvin Jones , y especialmente el estelar McCoy Tyner han integrado su dinámica apasionada en el interior del cuarteto. El resultado es un esfuerzo más enfocado, una sesión relativamente popular tanto para sus fans como para los que se integran a el. Es profundo, profundo.

"Out of This World", con más de 14 minutos que habla a la trayectoria espiritual experimentada por Coltrane, es una declaración poderosa, estirada sobre los maravillosos y hábiles acordes de Tyner, los ritmos agitados por Jones, la armonía que imprime Garrison y el estilo vocal que Coltrane utiliza mientras  añade su excelsitud en este melodía clásica que invoca así como a los anteriores trabajos a escucharla (n) veces; mientras que ‘Tunji’ alcanza niveles magistrales

No hay desperdicio alguno en cada una de las siete obras de arte, solamente nos queda disfrutarlas

Esto es sublime. Hay belleza objetiva en el universo!!! ¿Qué haremos con él?

Stephane Grappelli & Jean-Luc Ponty 1988 Compact Jazz

Stephane Grappelli legendario maestro del violín el cual falleció  en 1997, hizo sus máximos trabajos en los años 30’s y 40’s  junto a los legendarios Django Reinhardt y Bill Coleman, además de trabajar después con otro monstruo del jazz como Oscar Peterson y en una onda más clásica, con el mismísimo Yehudi Menuhin.

En suma, uno de los grandes exponentes del jazz más purista en Francia  que ya entrado en años en el pináculo de su carrera le dio por grabar un disco con una promesa llamada Jean-Luc Ponty (Frank Zappa, George Duke y el mismísimo John McLaughlin, amo y señor de la legendaria Mahavishnu Orchestra) en 1966 (disco que también incluía la presencia de Stuff Smith), experimento que repitió siete años después y que nos dejó como legado este Compact Jazz.

Un sonido agradable, con altas dosis de encanto y persuasión; algunos de los notables que colaboraron en este álbum: Alex Riel (batería), Andy Simpkins (bajo), Maurice Vander (piano) y Philip Catherine (guitarra).

Una excelente forma de conocer el lado más jazzístico de Ponty y de contagiarnos del talento indomable de Grappelli

 

Dizzy Reece 1959 Star Bright

Dizzy Reece nació en Jamaica, pasó años viviendo y tocando en Londres, se trasladó a los Estados Unidos en 1959 después de grabar Blues In Trinity para Blue Note en Londres. Star Bright era su debut en los Estados Unidos y apenas uno de los tres álbumes que él hizo en antes de volver a Europa.

Descrito como "un poco áspero en los bordes" Star Bright y el mismo Dizzy Reece en la trompeta se beneficia de la presencia fuerte y distintiva de Wynton Nelly en el piano con la unidad rítmica de Paul Chambers en el bajo, ArtTaylor en la batería, mientras que Hank Mobley en el saxofón tenor nunca está lejos de la línea trazada en el álbum.

La relación entre Mobley y Reece es de particular interés debido al marcado contraste en sus estilos de tocar y los tonos utilizados. Mobley haciendo su enfoque hacia el blues donde su tono era cálido y totalmente yuxtapuesto a la frase ardiente y el tono brillante y frágil exhibido por Reece en sus canciones como "The Rake" en donde todos se unen de una manera que alcanzan un grado máximo, una obra maestra

 

John Coltrane 1965 Kulu Sé Mama

Se concibió en la estratosfera del arte auto determinado. Se debe oír como una obra entera, de principio a fin. Simultáneamente psicodélico, espiritual, conmovedor, predicador, suplicante, enojado, aceptando lo irreversible, inquietante y curativo. Ésta es la voz de la cima de la montaña, la cúspide de la gran pirámide, el pozo de Chac el dios de la lluvia, el rayo, la piedra del filósofo, el Cáliz, un lamento y una oración.

Juno Lewis es el sacerdote pagano que nos invita a disfrutar su plegaria alcanzando niveles insospechados, contagiado de un misticismo y una sensualidad sobrecogedora mientras el piano y los tambores alrededor de él exploran y empujan radicalmente el encanto de la melodía mientras se hace acompañar de Sanders, Garrett, Butler y Lewis para que el círculo se cierre de una manera perfecta

La belleza de Kulu Sé Mama es Trane en estilos de formas libres, pero está suficientemente estructurado para evitar descarrilar completamente en un caos atonal y sin medir las consecuencias que pudiera tener.

No hay suficientes palabras para definir esta obra maestra solamente sumergirnos en ella infinidad de veces

Al Jarreau uno más que se adelanta al viaje

Poseedor de una voz incomparable, su estilo lo ayudó a considerarlo uno de los mejores en la escena jazzistica, aunque para sus detractores desdeñaron su música que calificaban de una fusión de smooth jazz. Jarreau era un hombre refinado, a menudo desdeñado por los puristas del jazz que lo consideraban un cantante de variedades, algo que asumía perfectamente.

Autor de un repertorio ecléctico que además del jazz incluye incursiones en el pop, el soul y el funk, su estilo ya quedó registrado en la historia.

‘Since I Feel for You’ acompañado de Bob James en los teclados y David Sanborn en el saxofón es completamente delicioso

Mi principal contribución a la música habrá consistido en introducir el ritmo en el registro vocal

(1940-2017)

Frank Wess 1956 Jazz For Playboys

La flauta tiene una tradición jazzística relativamente corta. El solo de flauta más antiguo que se tiene registrado es una grabación de la orquesta de Benny Cárter de 1933 "Devil's Holiday". El flautista -Wayman Carver- con una fluidez que parece sorprendentemente moderna. Pero este instrumento era por entonces todavía una curiosidad. Es asombroso cómo de golpe dejó, de serlo, cuando a principios de los cincuenta aparecieron media docena de flautistas de jazz que arraigaron su instrumento en el jazz, literalmente de la noche  a la mañana.

Frank Wess pertenecía a la orquesta de Count Basie y tocaba la flauta que en esa época todavía era considerada como “enemiga del swing", con el mismo señorío que el demostrado por quien tocaba la trompeta o el saxofón, en esta orquesta cuyo nombre es casi sinónimo del ritmo mencionado, simboliza la ruptura que condujo a la aceptación de la flauta. En efecto, es lógico que la flauta solo podía ser aceptada después de la era de Lester Young en los años cincuenta, cuando la preeminencia del fraseo del jazz frente a la formación del sonido había penetración en la conciencia general. Lester Young es el "principal culpable" de este desplazamiento de los acentos desde la formación del sonido hacia el fraseo. Frank Wess evidencia  esto de una manera casi irónica: como saxofonista tenor es inequívocamente hombre de la escuela de Coleman Hawkins, mientras que como ejecutante de flauta es igualmente inequívoco un seguidor de la tendencia de Lester Young.

Jazz For Playboys es una de esas sesiones clásicas de los años 50 en las que varios integrantes de la orquesta de Count Basie se separaron del grupo más grande y realizaron un gran trabajo combinado por su cuenta.

Nadie es líder,  pero sólo porque todos los integrantes están tan bien coordinados el uno al otro, que no hay necesidad de egos para realizar el disco.

En este incluyen a Frank Wess en flauta y sax tenor, Kenny Burrell en guitarra solista, Freddie Green en guitarra rítmica. Joe Newman en trompeta mientras en la batería se alternan Ed Thigpen, Gus Johnson y Kenny Clarke

Los solos de Wess suelen estar a la vanguardia, pero Burrell es un verdadero monstruo en "Blues For A Playmate", de auténtico delirio!

Thelonious Monk 1963 Monk's Dream

Dolor, romanticismo de primavera, de sustituciones efímeras en baladas. Intercepciones de acordes anchos pero demasiado exquisitos, no muy disonantes, como si un acorde fuera algún escarabajo exótico que se volteara sólo el tiempo suficiente para ver cuántas patas tenía antes de ser arrojado y examinar otro más.

En 1962, Monk había pasado veinte años no tanto en la curva del jazz como en los claroscuros de su carrera. La aprobación florecía demasiado tarde para evitar que cuestionara el sentido de trabajar tan duro ante el escaso reconocimiento, y así comenzó la última etapa de su carrera.

Su re-invención se puede rastrear aproximadamente a este álbum, aquí reeditado con 27 minutos de tomas alternas. Al entrar en el estudio para su primera sesión en Columbia a principios de 1963, es tentador preguntarse si Monk encontró ironía en los recuerdos de las lecciones de composición que una vez le había dado al nuevo y conquistador compañero de marca, Miles Davis, cuando juntos eran alquimistas en el crisol del be-bop.

La sincronización y la armonía de Monk en el sentido de la desigualdad lo encasillaron como un superlativo sobre los mortales. Acompañado del bajista intuitivo John Ore, el nunca decepcionante baterista Frankie Dunlop y el sin igual sax ténor Charlie Rouse (con él desde 1958)

Duramente criticado en su tiempo al asegurar que la carrera de Monk había finalizado, Monk's Dream es rico con la confianza de una banda en su apogeo y en plena madurez

La magia funciona mejor en el diabólico riff-fest "Bye-Ya".