jueves, 11 de mayo de 2017

John Coltrane 1962 Coltrane!



Que es lo que atrae de Coltrane? Por que una y otra vez se recurre al gran hombre? Será acaso su profundidad y misticismo que imprime en cada uno de sus trabajos lo que atrapa?
Sin duda alguna esto raya en lo divino.
La bóveda se abre y se revelan nuevos tesoros. Los fans de Coltrane se regocijan, los nuevos se asombran.
Esta fue la primera grabación del "cuarteto clásico" para Impulse y revela una profundidad oceánica y un brillo luminoso raramente experimentado en el jazz. La fidelidad es excelente para 1960, mucho mejor que las anteriores grabaciones de Atlántic que Trane hizo. Este trabajo es el punto medio entre el inconmensurable ‘Óle Coltrane’ y el ‘Impressions’
No se puede absorber suficiente de este grupo. No se desgastan; Mientras tanto, el bajista Jimmy Garrison , el baterista Elvin Jones , y especialmente el estelar McCoy Tyner han integrado su dinámica apasionada en el interior del cuarteto. El resultado es un esfuerzo más enfocado, una sesión relativamente popular tanto para sus fans como para los que se integran a el. Es profundo, profundo.
"Out of This World", con más de 14 minutos que habla a la trayectoria espiritual experimentada por Coltrane, es una declaración poderosa, estirada sobre los maravillosos y hábiles acordes de Tyner, los ritmos agitados por Jones, la armonía que imprime Garrison y el estilo vocal que Coltrane utiliza mientras  añade su excelsitud en este melodía clásica que invoca así como a los anteriores trabajos a escucharla (n) veces; mientras que ‘Tunji’ alcanza niveles magistrales
No hay desperdicio alguno en cada una de las siete obras de arte, solamente nos queda disfrutarlas
Esto es sublime. Hay belleza objetiva en el universo!!! ¿Qué haremos con él?











domingo, 23 de abril de 2017

Stephane Grappelli & Jean-Luc Ponty 1988 Compact Jazz



Stephane Grappelli legendario maestro del violín el cual falleció  en 1997, hizo sus máximos trabajos en los años 30’s y 40’s  junto a los legendarios Django Reinhardt y Bill Coleman, además de trabajar después con otro monstruo del jazz como Oscar Peterson y en una onda más clásica, con el mismísimo Yehudi Menuhin.
En suma, uno de los grandes exponentes del jazz más purista en Francia  que ya entrado en años en el pináculo de su carrera le dio por grabar un disco con una promesa llamada Jean-Luc Ponty (Frank Zappa, George Duke y el mismísimo John McLaughlin, amo y señor de la legendaria Mahavishnu Orchestra) en 1966 (disco que también incluía la presencia de Stuff Smith), experimento que repitió siete años después y que nos dejó como legado este Compact Jazz.
Un sonido agradable, con altas dosis de encanto y persuasión; algunos de los notables que colaboraron en este álbum: Alex Riel (batería), Andy Simpkins (bajo), Maurice Vander (piano) y Philip Catherine (guitarra).

Una excelente forma de conocer el lado más jazzístico de Ponty y de contagiarnos del talento indomable de Grappelli








 



jueves, 20 de abril de 2017

Dizzy Reece 1959 Star Bright



Dizzy Reece nació en Jamaica, pasó años viviendo y tocando en Londres, se trasladó a los Estados Unidos en 1959 después de grabar Blues In Trinity para Blue Note en Londres. Star Bright era su debut en los Estados Unidos y apenas uno de los tres álbumes que él hizo en antes de volver a Europa.
Descrito como "un poco áspero en los bordes" Star Bright y el mismo Dizzy Reece en la trompeta se beneficia de la presencia fuerte y distintiva de Wynton Nelly en el piano con la unidad rítmica de Paul Chambers en el bajo, ArtTaylor en la batería, mientras que Hank Mobley en el saxofón tenor nunca está lejos de la línea trazada en el álbum.
La relación entre Mobley y Reece es de particular interés debido al marcado contraste en sus estilos de tocar y los tonos utilizados. Mobley haciendo su enfoque hacia el blues donde su tono era cálido y totalmente yuxtapuesto a la frase ardiente y el tono brillante y frágil exhibido por Reece en sus canciones como "The Rake" en donde todos se unen de una manera que alcanzan un grado máximo, una obra maestra







domingo, 19 de febrero de 2017

John Coltrane 1965 Kulu Sé Mama


Se concibió en la estratosfera del arte auto determinado. Se debe oír como una obra entera, de principio a fin. Simultáneamente psicodélico, espiritual, conmovedor, predicador, suplicante, enojado, aceptando lo irreversible, inquietante y curativo. Ésta es la voz de la cima de la montaña, la cúspide de la gran pirámide, el pozo de Chac el dios de la lluvia, el rayo, la piedra del filósofo, el Cáliz, un lamento y una oración.
Juno Lewis es el sacerdote pagano que nos invita a disfrutar su plegaria alcanzando niveles insospechados, contagiado de un misticismo y una sensualidad sobrecogedora mientras el piano y los tambores alrededor de él exploran y empujan radicalmente el encanto de la melodía mientras se hace acompañar de Sanders, Garrett, Butler y Lewis para que el círculo se cierre de una manera perfecta
La belleza de Kulu Sé Mama es Trane en estilos de formas libres, pero está suficientemente estructurado para evitar descarrilar completamente en un caos atonal y sin medir las consecuencias que pudiera tener.
No hay suficientes palabras para definir esta obra maestra solamente sumergirnos en ella infinidad de veces






lunes, 13 de febrero de 2017

Al Jarreau uno más que se adelanta al viaje



Poseedor de una voz incomparable, su estilo lo ayudó a considerarlo uno de los mejores en la escena jazzistica, aunque para sus detractores desdeñaron su música que calificaban de una fusión de smooth jazz. Jarreau era un hombre refinado, a menudo desdeñado por los puristas del jazz que lo consideraban un cantante de variedades, algo que asumía perfectamente.
Autor de un repertorio ecléctico que además del jazz incluye incursiones en el pop, el soul y el funk, su estilo ya quedó registrado en la historia.
‘Since I Feel for You’ acompañado de Bob James en los teclados y David Sanborn en el saxofón es completamente delicioso








Mi principal contribución a la música habrá consistido en introducir el ritmo en el registro vocal
(1940-2017)





viernes, 10 de febrero de 2017

Frank Wess 1956 Jazz For Playboys



La flauta tiene una tradición jazzística relativamente corta. El solo de flauta más antiguo que se tiene registrado es una grabación de la orquesta de Benny Cárter de 1933 "Devil's Holiday". El flautista -Wayman Carver- con una fluidez que parece sorprendentemente moderna. Pero este instrumento era por entonces todavía una curiosidad. Es asombroso cómo de golpe dejó, de serlo, cuando a principios de los cincuenta aparecieron media docena de flautistas de jazz que arraigaron su instrumento en el jazz, literalmente de la noche  a la mañana.
Frank Wess pertenecía a la orquesta de Count Basie y tocaba la flauta que en esa época todavía era considerada como “enemiga del swing", con el mismo señorío que el demostrado por quien tocaba la trompeta o el saxofón, en esta orquesta cuyo nombre es casi sinónimo del ritmo mencionado, simboliza la ruptura que condujo a la aceptación de la flauta. En efecto, es lógico que la flauta solo podía ser aceptada después de la era de Lester Young en los años cincuenta, cuando la preeminencia del fraseo del jazz frente a la formación del sonido había penetración en la conciencia general. Lester Young es el "principal culpable" de este desplazamiento de los acentos desde la formación del sonido hacia el fraseo. Frank Wess evidencia  esto de una manera casi irónica: como saxofonista tenor es inequívocamente hombre de la escuela de Coleman Hawkins, mientras que como ejecutante de flauta es igualmente inequívoco un seguidor de la tendencia de Lester Young.
Jazz For Playboys es una de esas sesiones clásicas de los años 50 en las que varios integrantes de la orquesta de Count Basie se separaron del grupo más grande y realizaron un gran trabajo combinado por su cuenta.
Nadie es líder,  pero sólo porque todos los integrantes están tan bien coordinados el uno al otro, que no hay necesidad de egos para realizar el disco.
En este incluyen a Frank Wess en flauta y sax tenor, Kenny Burrell en guitarra solista, Freddie Green en guitarra rítmica. Joe Newman en trompeta mientras en la batería se alternan Ed Thigpen, Gus Johnson y Kenny Clarke
Los solos de Wess suelen estar a la vanguardia, pero Burrell es un verdadero monstruo en "Blues For A Playmate", de auténtico delirio!







jueves, 9 de febrero de 2017

Thelonious Monk 1963 Monk's Dream



Dolor, romanticismo de primavera, de sustituciones efímeras en baladas. Intercepciones de acordes anchos pero demasiado exquisitos, no muy disonantes, como si un acorde fuera algún escarabajo exótico que se volteara sólo el tiempo suficiente para ver cuántas patas tenía antes de ser arrojado y examinar otro más.
En 1962, Monk había pasado veinte años no tanto en la curva del jazz como en los claroscuros de su carrera. La aprobación florecía demasiado tarde para evitar que cuestionara el sentido de trabajar tan duro ante el escaso reconocimiento, y así comenzó la última etapa de su carrera.
Su re-invención se puede rastrear aproximadamente a este álbum, aquí reeditado con 27 minutos de tomas alternas. Al entrar en el estudio para su primera sesión en Columbia a principios de 1963, es tentador preguntarse si Monk encontró ironía en los recuerdos de las lecciones de composición que una vez le había dado al nuevo y conquistador compañero de marca, Miles Davis, cuando juntos eran alquimistas en el crisol del be-bop.
La sincronización y la armonía de Monk en el sentido de la desigualdad lo encasillaron como un superlativo sobre los mortales. Acompañado del bajista intuitivo John Ore, el nunca decepcionante baterista Frankie Dunlop y el sin igual sax ténor Charlie Rouse (con él desde 1958)
Duramente criticado en su tiempo al asegurar que la carrera de Monk había finalizado, Monk's Dream es rico con la confianza de una banda en su apogeo y en plena madurez

La magia funciona mejor en el diabólico riff-fest "Bye-Ya". 









lunes, 22 de agosto de 2016

John Coltrane & Johnny Hartman



John Coltrane es uno de los músicos de jazz más inventivos e innovadores de todos los tiempos un genio,  Johnny Hartman es un caso excepcional que no obstante tener una voz privilegiada simplemente pasó a la historia como ‘uno más’ en la extensa lista de cantantes de Jazz.
Algunos mencionan que Coltrane Y Hartman se conocieron en la banda de Dizzy Gillespie; Coltrane pudo haberlo oído cantar en1950 en el  Apollo Theater actuación en la que se dice compartieron escenario. El 7 de marzo de 1963, Coltrane y Hartman habían decidido  10 canciones para el álbum, pero en el camino al estudio de grabación en el Gelder Studio Van en Englewood Cliffs , Nueva Jersey  Hartman  escuchó a  Nat King Cole en la radio interpretando " Lush Life ", y decidió inmediatamente que la canción tenía que ser incluido en su álbum.
Mediante el empleo de Johnny Hartman como vocalista,  el saxofón tenor de Coltrane engrana perfectamente con la profunda y rica voz de barítono de Hartman.
Su voz  es tan dulce y suave que prácticamente destila elegancia. Las canciones están dispuestas en una manera sencilla y discreta. Coltrane juega en tonos suaves pero contundentes riffs simples que se convierten en sonidos majestuosos.
Las meras palabras no pueden expresar  la combinación del sonido de John Coltrane  y la voz  de  Johnny Hartman. Mientras Mc Coy Tyner proporciona la columna vertebral del disco con su forma de tocar el piano. Él llena los tiempos con un excelente acompañamiento  de los marfiles. Hartman es el único cantante con el que el saxofonista grabaría
‘Autumn Serenade’ es una auténtica descarga de cachondeo acústico
No debería haber nada más romántico que esto.





    
    Johnny Hartman: Vocals
    John Coltrane: Tenor Sax
    McCoy Tyner: Piano
    Jimmy Garrison:  Double Bass
    Elvin Jones: Drums

martes, 3 de noviembre de 2015

Carsten Meinert Kvartet: To You




Un registro increíble de la escena jazzística danesa de finales de los 60, un álbum bellamente espiritual,  una pieza única que bien podríamos colocar junto a nuestros clásicos de John Coltrane y Pharoah Sanders! El álbum nos atrapa  de inmediato, no solo porque el líder Carsten Meinert comienza el registro con la versión de "Naima" de Coltrane, sino también por su tono de tenor es increíblemente conmovedor, a la vez audaz y frágil, mientras se sumerge tremendamente en la melodía, entonces liderea el grupo a través de estas composiciones con sus  modales maravillosos de su propia inspiración;  la energía elíptica a través del piano de Ole Matthiessen, el bajo de Henrik Hove, y batería de Ole Streenberg,  es como Meinert se eleva sobre la parte superior con estos increíbles solos, y esta sensación de libertad que todavía se aferra a un montón de almas,  la cual trabaja con un sentido de verdad inherente de ritmo.
El enfoque es maravilloso y los acompañantes  confluyen juntos en un estilo que sin duda está influenciada por el trabajo del maestro John Coltrane  de  principios de los 60, pero que sin duda viene a través de sus propia inspiración (Casi divina), así no es un refrito Europeo de la inspiración del Gran Coltrane más bien es un paso hacia adelante,  desarrollando nuevas texturas con su genio como plataforma.
El álbum, además de ser sumamente raro y altamente recomendable entre una cierta comunidad de coleccionistas de discos, es verdaderamente realmente estelar. El trabajo original solamente se presentó con 1000 copias y esta es la primera vez que se encuentra remasterizada en CD, para el deleite de los mortales








domingo, 17 de mayo de 2015

Riley B. King: Maestro Indiscutible!!!!



Todo lo que se pueda decir o mencionar de él, está por demás, solamente queda la conmoción de su dolorosa e irreparable pérdida. 
Lo importante radica  en el legado que deja detrás de una prolífica carrera y que para fortuna podremos seguir deleitándonos con esos acordes.
Que lejano se ve aquel 1996 cuando se tuvo la única oportunidad de verlo en todo su esplendor en el Auditorio Nacional.
Otro más que se adelanta en el viaje…
Maestro de Maestros!!! B.B King










Pd. Posterior a la conmoción que en mi muy personal caso provocó el viaje sin regreso de este portento de músico, creo que mis dos lectores no se percataron de lo que había dentro de los comentarios, lástima, se han perdido de alrededor de ocho horas de deleite auditivo de un monstruo universal










miércoles, 13 de mayo de 2015

Ella Fitzgerald And Count Basie



La diva por excelencia haciendo gala de su sensual y portentosa voz se hizo acompañar de una de las mejores orquestas de la historia, la de Count Basie; aunado a los arreglos del magistral Quincy Jones, el resultado no podía ser mejor!!!
Uno de los grandes discos que se hizo en la historia del Jazz grabado en 1963 en donde no hizo falta absolutamente nada, conjuga todos los elementos necesarios para ser escuchado infinidad de veces y no se cansa uno de escucharlo.
Venerado como uno de las más grandes grabaciones de Ella que haya realizado debido al portento de voz que solo ‘La Primer dama del Jazz’ podía tener, el Scat manejado dentro de este riquísimo Swing prodigado generosamente por la orquesta del no menos importante pianista Count Basie.

Honeysuckle Rose es para enamorarse por completo de este álbum!!!!

PD. En espera que sea del agrado de mis tres lectores, ya que debido a esta bendita necesidad de trabajar en estos tiempos, en ocasiones se olvida uno de los detalles más irrelevantes pero suelen ser los más importantes.











miércoles, 26 de febrero de 2014

Paco de Lucía: Réquiem Por Un Grande

Francisco Sánchez Gómez, Paco de Lucía; considerado como uno de los mejores maestros de la guitarra.
Recibió, entre otros muchos galardones, el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1992), la Distinción Honorífica de los Premios de la Música (2002), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2004).
Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz y por el Berklee College of Music, distinción concedida en mayo de 2010.
Aunque casi toda su obra se desarrolla en el flamenco, grabó algunos trabajos en otros estilos, como la música clásica, la fusión de flamenco con el jazz y otros estilos musicales.


Otro Más que se adelanta en el viaje…








lunes, 30 de diciembre de 2013

Eumir Deodato 1972 Prelude

El tecladista brasileño Eumir Deodato se anotó uno de los grandes éxitos de los 70 con este álbum de 1972 que combina los adornos orquestales clásicos con el jazz y el rock.
Su exuberante arreglo de "Prelude to the Afternoon of a Faun" de Debussy es de primera categoría, al igual que su propio trío de originales ("Spirit Of Summer", "Carly & Carole", "September 13") y el Wright / Forrest   
“Baubles, Bangles, & Beads" (basadas en temas de Alexander Borodin.)
Por supuesto, la gran pista de ésta obra es la adaptación de nueve minutos de Richard Strauss "Also Sprach Zarathustra", el trabajo que lo hizo internacionalmente famoso en su forma clásica original en 1968, cuando el director Stanley Kubrick utilizó en su obra maestra de ciencia ficción  2001: A Space Odyssey.
Utilizando la famosa secuencia de "The Dawn of Man" (esa escena es inolvidable!), utilizando las fanfarrias clásicas para tejer una serie de permutaciones de jazz-rock-funk.
Prelude es uno de los grandes temas instrumentales de Jazz de todos los tiempos, el cual ganó un Grammy muy merecido en 1973 a la Mejor Interpretación Pop Instrumental, alcanzando el número 2 en la lista de singles americana (número 7 en Inglaterra)
Alejado del Hotel de Adán y para comenzar el año con algo rico
Eumir Deodato










miércoles, 25 de diciembre de 2013

Yusef Lateef: Leyenda del Jazz

William Emanuel Huddleston mejor conocido como Yusef Lateef es reconocido como uno de los grandes maestros en la tradición afroamericana de la música autophysiopsychic.
Saxofón tenor, flautista y oboísta introdujo nuevos sonidos y combinaciones de colores de tonos agradables en el jazz para el público de todo el mundo; Lateef, que se convirtió al islam en 1948 comenzó su carrera en Detroit en compañía del trombonista Curtis Fuller y el batería Louis Hayes en la década de 1950.
Como compositor compiló un catálogo de obras no sólo para los cuartetos y quintetos, sino también para orquestas sinfónicas y de cámara, bandas de teatro, pequeños conjuntos, cantantes, coros y pianistas solistas.
Sus obras han sido interpretadas por la Detroit Symphony Orchestra y la Sinfonía del Nuevo Mundo, entre otras importantes agrupaciones.
Por su grabación de Pequeña Sinfonía de Yusef Lateef fue merecedor de un Grammy en 1987.
Como educado dedicó gran parte de su vida a explorar la metodología de la música autophysiopsychic y fue profesor del Five Colleges de la Universidad de Massachusetts en Amherst.
Como autor, Lateef publicó la novela “Una noche en el jardín del amor” y las colecciones de cuentos Spheres y Rain Formas.

En 2010 el considerado una de las principales influencias de John Coltrane (1926-1967) fue nombrado Maestro de Jazz de la NEA, máximo honor para un jazzista en Estados Unidos.

"Creo que todos los humanos tienen conocimiento", dijo en una entrevista en 2009 para la National Endowment for the Arts. "Cada cultura tiene alguna información. Por eso estudié con Saj Dev, un flautista indio. Por eso estudié la música de Stockhausen. La música de los pigmeos de la selva tropical es una música muy rica. Así que la información está ahí. Y también creo que uno debe buscarla desde que nace hasta que muere. Con ese tipo de curiosidad, uno descubre cosas que antes eran desconocidas".














lunes, 28 de octubre de 2013

Lou Reed: El fin del Camino

Excelente músico, creador de los legendarios "The Velvet Underground"; en su haber tuvo amistades como Andy Warhol, Patti Smith, David Bowie, entre otros. Crítico del sistema, poeta, visionario.
Lewis Allen Reed otro más que se adelanta, caminando por el lado salvaje.














jueves, 17 de octubre de 2013

Stan Getz/João Gilberto 1964 Recorded Live At Carnegie Hall

Grabado en vivo en el Carnegie Hall en octubre de 1964, este álbum presenta al legendario saxofonista tenor Stan Getz en dos configuraciones diferentes: con su propio cuarteto (con un joven Gary Burton en el vibráfono, Gene Chirico en el bajo y Joe caza en la batería) los cuales imprimen las normas y su estílo pre-samba, y con su cuarteto como acompañamiento a João Gilberto aunado al cachondo estilo vocal de Astrud Gilberto.
Intercalado entre estas dos presentaciones Getz es un íntimo acompañante más del trío de João Gilberto, con Gilberto en la guitarra acompañados de Keter Betts en el bajo y Helcio Melito en la batería.
Como era de esperar, la música es suave y melódico,hipnotizante, y la presentación general es ayudado por la calidad del sonido, que es en su mayor parte bastante bueno, especialmente para un set en vivo, con su base de paradoja sonora de íntimas voces (susurrando tan cerca del micrófono) enmarcados por el sonido más distante de los instrumentos de fondo.

En definitiva, este es un excelente conjunto musical y sonoramente perfecto









martes, 13 de agosto de 2013

Tal Wilkenfeld 2007 Transformation

Cuando se conjugan la calidad, excelencia y amplio dominio del instrumento; compartir el escenario al lado de artistas de la talla de Jeff Beck, Steve Vai, Steven Tyler, Eric Clapton, Herbie Hancock, y todo esto con tan solo 26 años, el resultado es tener un prodigio.
 La Australiana Tal Wilkenfeld irrumpe en el escenario musical de manera impresionante, guardando proporción alguna, a la altura de grandes bajistas como Geddy Lee (RUSH), Stuart Hamm, Billy Sheehan, y hasta el mismísimo Jaco Pastorious.
Decide abandonar el ‘Down Under’ para irse a los Estados Unidos, estudia en ‘Los Angeles Music Academy’, a los 17 años adopta el bajo eléctrico y una vez que se gradúa se traslada en definitiva  a Nueva York.
Una vez que Jeff Beck la descubre, su fama aumenta a la aparición con Jeff Beck en el "Crossroads Guitar Festival 2007" (El Festival organizado por Eric Clapton [Dios, por supuesto] con fines benéficos) destacando en el solo de Cause We’ve Ended As Lovers. (Ampliamente recomendable verlo!!!)
Considerada por la revista especializada ‘Bass Player’ “The Year Most Exciting New Player” en el 2008.

Hay que escucharlo para creerlo, aparte de que está guapérrima!!!








martes, 6 de agosto de 2013

Great Moments In Jazz

El Jazz siempre ha sido siempre asunto de una minoría. Desde su comienzo, y ya en los años veinte y treinta del siglo XX, fueron pocos los que reconocieron el valor del Jazz de los músicos creativos negros.
Sin embargo, quien se interesa por el Jazz y lo defiende, obra a favor de una mayoría. Porque el Jazz nutre a la música popular de cualquier época. Porque lo que sale de los sonidos que acompañan a las series de TV y en los discretos altavoces de los grandes malls de las urbes, en los ‘hits’ comerciales del día, la música que se baila, desde el charleston hasta el rock, todos los sonidos musicales contemporáneos de consumo masivo de nuestra época se originan en el Jazz.
Es por esa la razón de su discreto encanto.
Recopilación de los Jazz Masters, aunque faltan algunos; haciendo un recuento de algunos de los éxitos que los han hecho tan geniales.

Faltan algunos? Pero que recopilación puede estar completa?
De mis favoritos, Art Blakey y Thelonious Monk con su inconmensurable 'In Walked Bud' y la portentosa 'Compared To What' de Les McCann y Eddie Harris.








sábado, 13 de abril de 2013

Gato Barbieri 2004 The Best Of Gato Barbieri


Leandro ‘Gato’ Barbieri, es un referente más que obligado del jazz. Saxofonista destacado nacido en Rosario, Argentina. Descubre el saxo tenor gracias a un tío saxofonista y el jazz escuchando a Charlie Parker en 1944.
Durante cinco años toma clases particulares de clarinete en Buenos Aires, aunque también se interesa por el saxo alto y la composición.
Sus dúos con Dollard Brand (1968) le dan a su música un giro decisivo hacia sus raíces sudamericanas, y más ampliamente, hacia la música del tercer mundo.
Dirige numerosos grupos, en los que intervienen entre otros: Joe Beck, John Abercombie, Stanley Clarke, Ron Carter, Lennie White, Roy Haynes, o Airto Moreira. A pesar de su triunfo en el Festival de Montreux ("El Pampero") y de su celebrada participación en la banda sonora de la película "El ultimo tango en París" de Bernardo Bertolucci, Gato Barbieri, acentúa desde 1973, las referencias a sus raíces y se rodea de músicos sudamericanos, en especial en la serie "Chapter One" a "Chapter Four" para el sello Impulse. Luego su trabajo asume moldes más comerciales y se aleja del jazz en beneficio de un público más amplio.
La mentalidad de Gato Barbieri  radica en "Soy un romántico, el amor enojado, hermoso, en todos los componentes de nuestra vida" el cual queda plasmado en 'I Want You'’.
Pero si de maravillas se trata hay que escuchar el dueto que hace con el hijo predilecto de Autlan de Navarro Jalisco, el genio mexicano Carlos Humberto Santana Barragán en la genial y por demás exquisita ‘Latin Lady’
Receptor de la influencia coltraniana y, a la vez, marcado por su fructífera colaboración con el trompetista Don Cherry, Gato Barbieri.








martes, 19 de marzo de 2013

Opus Avantra 1974 Introspezione


Opus Avantra se formaron en Véneto en 1973, compuesto por la soprano Donella Del Monaco, nieto del tenor Mario Del Monaco (concepto, voz y texto), el pianista y compositor Alfredo Tisocco (dirección coral, música, piano y teclados), el filósofo Giorgio Bisotto (ideólogo e inspirador) y el productor Renato Marengo.
Su estilo mezcla elementos de progresivo, música clásica, ópera, jazz y rareza en general, simplemente, el uso de teclados, bajo, batería, violines, chelos, clarinetes, flautas y otros instrumentos.
Ellos fueron muy influyentes en la escena progresiva vanguardista de la época. El nombre se divide en tres partes y se deriva de sus intereses principales: OPUS (ópera) Avan (vanguardia) y Tra (tradición). El nombre resume la ideología del grupo que tiene la intención de convertirse en un movimiento de la música avantgarde, sin embargo, tiene sus raíces en el estudio y recuperación de la tradición: la innovación, es decir, que se considera esencial como un lenguaje contemporáneo, no puede oponerse la tradición, sino que se deriva de su revisión y reinterpretación actual.

"Introspezione", también denominado "Donella Del Monaco" cuenta con todo tipo de influencias clásicas como clásico contemporáneo. Además de la hermosa voz de ópera que imprime Donella Del Monaco.